Sua busca era por essa essência. Uma arte que tocasse o sensível, sem recorrer à narrativa. Um compromisso radical com a linguagem pictórica.

Estamos falando do brasileiro Arcangelo Ianelli. Dedicado ao trabalho, estudou a arte acadêmica e explorou novos caminhos ao se desprender dela.

Mas para alcançar seu projeto artístico, ele iniciou pela observação do espaço físico e familiar. Hoje, visitamos uma dessas obras iniciais e a trajetória de um artista que deixou sua marca na arte brasileira do século XX.

Em boa companhia 🤝

Filho de imigrantes italianos, Arcangelo Ianelli nasceu em São Paulo poucos meses após a realização da Semana de Arte Moderna de 1922. Iniciou seus estudos na Associação Paulista de Belas Artes e logo buscou caminhos mais livres, transitando entre o ateliê de colegas e o aprendizado autodidata.

Participou da fundação do Grupo Guanabara, convivendo com nomes como Tikashi Fukushima, Massao Okinaka, Yoshiya Takaoka e Manabu Mabe. Ao longo de uma década, o grupo pintou junto, circulou entre universo artístico, participou de conferências e promoveu exposições.

Apesar dos laços com diversos artistas, Ianelli manteve sua independência estilística. Também não acreditava na inspiração romântica. Para ele, arte era trabalho. E foi assim, no esforço cotidiano, que construiu seu universo visual.

Sua primeira exposição aconteceu em 1950, marcando a decisão de viver da pintura. Nesse período, sua trajetória também foi entrelaçada à vida familiar, com o nascimento de seus filhos Katia e Rubens.

Pai e filhos 🎨

Uma das obras inaugurais da modernidade de lanelli é O Menino Pintor, de 1952. A cena revela um ateliê amplo, banhado de luz natural que entra por janelas de vidro e se espalha pelo espaço.

Grandes pinturas pendem das paredes, enquanto esculturas repousam discretamente sobre móveis. No centro, um cavalete impõe sua presença. No chão, dois brinquedos — um pato com rodinhas e uma bola laranja — introduzem o universo infantil.

O pequeno pintor é Rubens, futuro artista. A menina que o observa é sua irmã Katia, espectadora atenta e silenciosa do gesto criativo.

O reflexo dos elementos se projeta no piso. Mas nada ali é exato: os contornos são difusos, como se vistos através de uma memória ou sonho.

A cena ganha esse aspecto enevoado, turvo, em que as fronteiras entre arte, infância e cotidiano se dissolvem. É pintura sobre o que escapa.

Rubens pinta a favor da luz e remete à presença de Ianelli fora de campo. E Katia, entre pai e filho, forma uma triangulação que projeta em nosso imaginário a cena para além dos limites do quadro.

Os únicos elementos coloridos são os brinquedos e o laço do vestido da menina. O branco, o amarelo e o laranja contrastam com os tons ocre e marrons.

O espaço da casa se organiza como um prelúdio de sua linguagem futura: paredes, móveis e quadros pendurados formam retângulos e quadrados, linhas verticais e horizontais, que antecipam o rigor geométrico de sua obra posterior.

Rumo à abstração geométrica 📐

Os anos 1950 foram decisivos para a arte de Ianelli. Obras como O Menino Pintor já evidenciam sua habilidade para a simplificação e no jogo entre as coisas e o espaço que elas ocupam.

Aos poucos, suas pinturas figurativas receberam reduções formais e a intenção abstrata foi se tornando cada vez mais nítida. Formas, linhas retas e diagonais passaram a ocupar com mais frequência o espaço da composição.

No início dos anos 1960, Ianelli entra em uma fase de transição que o revela como um experimentador radical. As telas crescem, o preto predomina e as formas perdem o rigor, ganhando textura e expressividade.

Ainda na mesma década, o artista passa dois anos na Europa, vivendo em Roma e depois em Paris. A viagem marca uma inflexão em sua trajetória. A abstração densa dá lugar a grafismos que evocam entalhes em pedra, em tons terrosos.

Nos anos 1970, sua linguagem atinge a maturidade. Losangos giram em torno de seu próprio eixo, as cores se tornam mais vivas e diagonais voltam a cortar os espaços. Logo surgem quadrados e retângulos sobrepostos.

A abstração geométrica de Ianelli não é dura, nem busca o rigor matemático típico do concretismo europeu. Suas formas são feitas à mão, com pequenas imperfeições deliberadas que humanizam a composição.

Em 1974, Ianelli foi convidado para criar um mural na fachada do Edifício Diâmetro, na Faria Lima. Em vez de optar pela pintura, buscou uma solução que dialogasse com o espaço e resistisse ao tempo: um conjunto de três obras em cimento, com 20 metros de largura por 3 de altura.

A experiência marcou sua aproximação com a tridimensionalidade e deu início à produção de esculturas. Nas décadas de 1980 e 1990, Ianelli intensificou a produção escultórica, sobretudo em mármore e madeira.

O novo caminho, porém, não excluiu a pintura. Ao contrário: escultura e tela dialogavam em uma pesquisa constante sobre a cor, o espaço e a forma.

A passagem para uma abstração pura, uma pura geometria, era o corolário inevitável. E assim sucedeu. — Paulo Mendes de Almeida, crítico brasileiro, sobre a arte de Ianelli.

Reconhecimentos ✈️

Ao longo de sua trajetória, Arcangelo Ianelli consolidou sua presença no circuito artístico internacional. No tempo em que passou na Europa, expôs em países como Itália, Alemanha, Espanha, Portugal, Áustria, Suíça e França.

Nas décadas de 1960 e 70, participou de 11 Bienais em cidades como São Paulo, Salvador, Medellín, Caracas e Cidade do México. Também esteve em mostras nos Estados Unidos e Canadá.

Seu trabalho, ancorado na busca por uma linguagem universal, feita de cor, forma e volume, ultrapassou fronteiras sem se perder em regionalismos. Sua arte se comunicava por meio de elementos essenciais e atemporais.

A década de 1980 foi marcada por mostras no exterior, incluindo uma grande retrospectiva na Staatliche Kunsthalle de Berlim. Em 1990, foi ao Japão como curador e expositor da IX Exposição Brasil-Japão de Arte Contemporânea, levando sua obra a dialogar com a sensibilidade oriental.

Em 2002, realizou uma grande retrospectiva na Pinacoteca do Estado de São Paulo. A exposição reuniu pinturas e esculturas, reafirmando o caráter multifacetado de sua produção.

Faleceu em 2009, aos 86 anos, em São Paulo. Até seus últimos dias, manteve uma rotina disciplinada de trabalho em seu ateliê, cercado pela família, por árvores e pelo silêncio que tanto valorizava.

Em 2023, ano de seu centenário, foi homenageado em uma grande retrospectiva do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP). A exposição destacou a coerência e a evolução de sua obra, desde os trabalhos figurativos dos anos 1950 até as grandes telas abstratas produzidas entre 1960 e 2000.

Foram recriados aspectos do ateliê de Ianelli, proporcionando aos visitantes uma imersão no processo criativo do artista. A mostra reafirmou a importância de Ianelli na arte brasileira e sua relação histórica com o MAM-SP, onde realizou sua primeira mostra individual e participou de seis edições do Panorama de Arte Brasileira.

Fala-se muito em raízes, arte de cunho nacionalista, procura de identidade nacional etc. Sempre achei que a arte não deve depender de fronteiras ou regiões. A arte é uma, e quanto mais alto o seu nível, mais universal ela se torna. — Arcangelo Ianelli.

A notícia do ataque chocou o mundo, mas foi por meio da arte que o acontecimento ficou para a história. Abalado com os acontecimentos em seu país natal, Pablo Picasso criou uma obra que permaneceu na consciência coletiva como uma profunda condenação ao massacre de inocentes.

Nesta Arte da Semana, contamos a história por trás de uma das principais obras do século XX. Vem descobrir!

Os sombrios anos 30 ⚔️

Em 1931, após a demonstração de força dos republicanos nas eleições municipais e a renúncia do rei Afonso XIII, foi proclamada a Segunda República Espanhola. O novo regime, uma democracia frágil, enfrentava o desafio de implementar reformas e um período conturbado.

Nesse cenário, diferentes grupos políticos disputavam influência. Nas eleições de 1936, a coalizão chamada Frente Popular, formada por republicanos e esquerdistas, assumiu o governo.

No mesmo ano, um grupo de militares rebelou-se contra o governo eleito, dando início a Guerra Civil Espanhola. O combate opôs republicanos e nacionalistas.

Três meses depois, o General Francisco Franco sitiou Madrid e consolidou um golpe de Estado. Com o apoio da Alemanha nazista e da Itália fascista aos nacionalistas, o conflito civil se intensificou.

Uma triste prévia da Segunda Guerra Mundial.

Guernica sob o fogo 💣

No início de 1937, a resistência republicana estava recuando em direção a Bilbao, capital do País Basco, ao norte da Espanha. O terror causado pelos bombardeios e a desorganização política dos republicanos enfraqueciam ainda mais uma reação.

Como parte de uma estratégia de terror psicológico para forçar uma rendição imediata, as forças franquistas escolheram um alvo estratégico: Guernica.

A cidade era símbolo do nacionalismo basco e seu bombardeio serviria tanto para quebrar a moral da população quanto para criar pânico em Bilbao. Coube à Luftwaffe, a força aérea nazista, enviada por Hitler para apoiar Franco, executar a ação.

No final da tarde e início da noite de 26 de abril, das 16h40 às 19h45, Guernica foi alvo de um ataque aéreo brutal. Não havia defesa antiaérea.

A ofensiva alemã destruiu a cidade em ataques sucessivos. Não existia justificativa militar para a sua destruição, pois não havia ali tropas nem alvos estratégicos, como fábricas de armamentos ou quartéis.

O massacre aconteceu em uma segunda-feira, dia de mercado para a comunidade local, quando a cidade estava repleta de civis. A cobertura jornalística foi fundamental, correspondentes estrangeiros próximos à cidade produziram matérias sobre o acontecimento.

Uma reportagem do jornalista George Steer, publicada no The Times e repercutida no The New York Times, causou indignação internacional:

Guernica, a cidade mais antiga dos bascos e o centro de sua tradição cultural, foi completamente destruída ontem à tarde por bombardeiros insurgentes.

O ataque aéreo durou três horas e quinze minutos e foi realizado por uma frota poderosa de aviões alemães, composta por bombardeiros Junkers e Heinkel, que despejaram bombas de até 1.000 libras (450 kg) e mais de 3.000 projéteis incendiários de alumínio. Enquanto isso, caças voavam baixo, metralhando a população civil que tentava fugir pelos campos.

Picasso e a causa espanhola 🖌️

Nos anos 1930, Pablo Picasso já era o pintor espanhol mais famoso de sua geração. Vivendo e trabalhando em Paris, ele recebia notícias sobre a insurreição fascista por meio de jornais e compatriotas que o visitavam.

Embora, à época, fosse reservado em relação a temas políticos, foi solidário à causa republicana desde o início. O artista vendeu obras de seu acervo e destinou aos desabrigados pela guerra.

Mas foi na própria arte que se deu a sua principal contribuição. Picasso já havia produzido O Sonho e a Mentira de Franco, uma série de gravuras satíricas acompanhadas por um poema, no qual denunciava a brutalidade do ditador.

Mas sua maior manifestação ainda estava por vir.

Gritos de crianças, gritos de mulheres, gritos de pássaros, gritos de flores, gritos de madeiras e de pedras, gritos de tijolos, gritos de móveis, de camas, de cadeiras, de cortinas, de panelas, de gatos e de papéis. - Pablo Picasso.

A forma artística 🎨

Em 1º de maio de 1937, poucos dias após a destruição da cidade espanhola, Picasso mergulhou no trabalho. Comprou uma enorme tela de 3,51m por 7,82m e começou a esboçar sua indignação.

A artista Dora Maar registrou o processo criativo do amigo. A pintura levou 25 dias para ser finalizada.

Esse acompanhamento revela que Picasso não partiu de uma ideia fixa, mas de um processo de experimentação e transformação. Cada mudança refletia a busca por um equilíbrio entre forma e significado.

Ele abandonou elementos mais diretamente políticos, como um punho cerrado, em favor de uma iconografia mais enigmática. Como Picasso percebeu com a obra Três de Maio, de Goya, a morte precisa ser tanto uma presença abstrata quanto uma realidade corpórea.

E em Guernica, essa dualidade se manifesta com a fragmentação cubista, que desarticula formas e anatomias, como se fossem destroços colados em um mural. Sem a perspectiva realista, tudo é achatado e angular, o que potencializa a angustia da cena.

O tom fúnebre é intensificado com a paleta em preto, branco e cinza. O monocromatismo impede que a violência seja cosmetizada – não há beleza, apenas a crueza do sofrimento.

A escolha remete à estética do jornalismo visual da época, como as fotografias de guerra de Robert Capa. A textura da obra, que lembra colagens de recortes de jornal, reforça esse efeito, como se fosse uma reportagem visual das atrocidades da guerra.

Os horrores da guerra 😢

A iconografia de Guernica não é de fácil decifração. Trata-se de uma composição que vai além da narrativa factual.

Apesar de ser uma pintura sobre a violência da guerra, a obra não mostra sangue nem armas explícitas. Picasso não pintou aviões, bombas ou soldados. Em vez disso, concentrou-se no sofrimento humano e animal, condensando o horror em símbolos universais.

No centro, um cavalo ferido relincha em agonia. À esquerda, uma mãe berra de desespero enquanto segura seu filho morto. No lado direito, uma mulher em chamas corre gritando de um edifício incendiado, enquanto outra foge em pânico.

No chão, uma flor brota sob a espada quebrada de um guerreiro caído. Um lampião surge no canto de uma casa, segurado pelo braço de uma vítima. Ambos parecem ser símbolos de esperança.

No topo, um olho em forma de lâmpada observa tudo: será possível que tais tragédias ocorram?

Observando a destruição está um touro, animal que remete à tradição nacional das touradas. Uma presença ambígua que pode representar tanto a brutalidade fascista quanto a resiliência do povo espanhol.

Quando perguntaram a Picasso o significado da obra, ele respondeu: Não cabe ao pintor definir os símbolos. Caso contrário, seria melhor escrevê-los em palavras.

Legado permanente 📖

A obra que leva o nome da cidade de Guernica logo se tornou conhecida no mundo todo. Se o bombardeio ficasse limitado aos registros oficiais, talvez não passasse de uma nota de rodapé macabra sobre um ataque a uma pequena comunidade.

No entanto, foi a tradução de Picasso para a linguagem da pintura que reservou à memória do local um lugar permanente na história. Soma-se a isso a reação dos nazistas e franquistas à época, que negaram que Guernica tivesse sido bombardeada.

O regime investiu em desinformação alegando que os próprios bascos haviam incendiado a cidade. Quando os britânicos sugeriram uma investigação internacional, a permissão foi negada de imediato.

O massacre serviu de teste para a força aérea nazista, que refinaria essa tática na Segunda Guerra Mundial. A exemplo dos bombardeios de Roterdã (1940), Coventry (1940) e Dresden (1945).

Franco permaneceu no poder até sua morte em 1975. Por causa dele, Picasso nunca mais voltou ao seu país natal.

O artista nunca permitiu que Guernica fosse levada para a Espanha enquanto Franco estivesse no poder. Ele deixou claro que a pintura só retornaria quando o país fosse uma democracia.

Durante décadas, a obra permaneceu no MoMA, em Nova York. Em 1953, veio ao Brasil, onde foi exposta na Bienal de São Paulo.

Em 1981, após quarenta anos de exílio, a pintura finalmente chegou à Espanha. Seu retorno foi um momento emblemático na história do país, sendo recebido como um símbolo do fim do franquismo. Atualmente, encontra-se no Museu Reina Sofía, em Madrid.

Somente em 1997, exatos 60 anos após a destruição, o governo da Alemanha reconheceu publicamente que a Luftwaffe bombardeou a cidade espanhola. O presidente alemão Roman Herzog enviou uma carta oficial ao povo basco pedindo desculpas pelo ataque.

Em 2003, o governo espanhol finalmente reconheceu que Guernica foi destruída pelos extremistas. A versão falsa de que os bascos incendiaram sua própria cidade foi retirada do registro histórico.

Impactado com a obra, Nelson Rockefeller, ex-vice presidente dos Estados Unidos, encomendou uma reprodução em tapeçaria. Hoje, essa versão está exposta na sede da ONU, em Nova York, servindo como um lembrete constante para os diplomatas do mundo sobre a tragédia humana dos conflitos armados.

Com seu nome quase esquecido após sua morte, sua redescoberta posterior consolidou sua reputação como um dos mais celebrados pintores de natureza-morta. Seus contemporâneos talvez não tenham reconhecido de imediato a força desse olhar, mas sua influência atravessou séculos.

Provocado por um amigo, aventurou-se na pintura de gênero e criou obras como Le Bénédicité, onde a intimidade do lar ganha profundidade quase sagrada. E é com esse olhar que mergulhamos nesta edição.

Background do artista 🎨

Nascido em Paris em 1699, Jean-Baptiste-Siméon Chardin quase nunca deixou sua cidade natal. Filho de um marceneiro, ele iniciou sua formação artística nos estúdios de Pierre-Jacques Cazes e Noël-Nicolas Coypel.

Com o primeiro, aprendeu a arte do desenho e da composição, assim como a cópia. O segundo permitiu-lhe aprimorar suas capacidades de observação natural, compreender a importância do claro-escuro e da evocação poética.

Desse modo, dominou o uso do pastiche de forma estratégica, não como mera cópia, mas como um diálogo sofisticado com tradições artísticas anteriores. Esse jogo de imitação e transformação era uma forma de afirmar sua originalidade em um período que valorizava o virtuosismo técnico.

Não fosse o bastante, Chardin foi acima de tudo um autodidata ambicioso. Com sua habilidade excepcional para representar texturas, ele criou obras com uma sensação tátil que aproxima o espectador, tornando seus quadros quase sensoriais.

Diferente de seus contemporâneos, que seguiam a tradição do rococó francês, suas cenas não buscavam ser dramáticas ou heroicas. Em vez disso, elas capturavam a rotina comum, criando imagens atemporais que não remetem a eventos específicos, mas ecoam a universalidade do cotidiano.

Celebrando o ordinário 🫧

Chardin era conhecido por sua meticulosidade. Ele trabalhava devagar, repetindo composições e fazendo pequenas variações para alcançar o equilíbrio ideal. Essa abordagem refletia sua busca pela perfeição formal, mais do que pela inovação temática.

O início de sua atividade artística foi marcado por naturezas-mortas, como O Buffet (1728) e A Raia (1728). Fase em que ficou conhecido como pintor de frutas e de animais.

A partir de 1733, o artista ampliou seu repertório com figuras humanas. A história conta que Chardin foi provocado a provar seus talentos após repreender um amigo, o retratista Jacques Aved.

Uma senhora ofereceu uma boa quantia para encomendar um retrato de Aved, que recusou a proposta. Chardin criticou o amigo por desperdiçar a oportunidade, ao que Aved respondeu: você parece pensar que um retrato é tão fácil de pintar quanto uma salsicha.

As primeiras pinturas de figuras de Chardin incluíam A Cisterna (1733) e A Lavadeira (1733). O artista exaltava a bondade das pessoas comuns, especialmente mulheres e crianças, retratando-as com uma dignidade silenciosa e distante dos excessos da sociedade aristocrática.

Essa simplicidade, no entanto, não era fruto do acaso. O artista calculou cada elemento para evidenciar relações sociais e morais por meio de pequenos gestos e olhares.

Assim, suas cenas de gênero não apostavam na teatralidade. Ao invés disso, Chardin preferia a discrição, criando personagens em poses naturais, com expressões contidas e gestos sutis que convidavam o espectador à contemplação.

Um instante de delicadeza 🙏

Entre as obras de Chardin, Le Bénédicité exemplifica perfeitamente sua capacidade de transformar o cotidiano banal em sublime. O título, que pode ser traduzido como A Graça, remete ao gesto simples de uma criança fazendo uma oração antes da refeição.

Na pintura, vemos uma cena doméstica modesta: uma mãe observa atentamente enquanto uma de suas filhas, com as mãos juntas, se prepara para agradecer pelo jantar. Ao lado, outra irmã, mais nova, parece distraída, adicionando uma dose de realismo e ternura à cena.

O cômodo modesto possui objetos cuidadosamente dispostos. Cada um deles parece possuir uma história singular.

No chão, uma baqueta repousa, como se a criança tivesse parado de tocar seu tambor para comer a refeição. Na mesa, pratos fundos indicam que a mãe preparou uma sopa quente, liberando uma leve fumaça.

Chardin organiza a composição de forma piramidal, criando uma sensação de calma e estabilidade. A mesa simples, os utensílios domésticos e o ambiente despojado reforçam a ideia de que a beleza está nas coisas comuns.

A paleta de cores é suave, dominada por tons terrosos e neutros. O fundo escuro destaca as três à frente. A luz destaca suavemente os rostos das crianças e o olhar atento da mãe, criando um foco emocional que guia o espectador pela cena.

Embora o tema da oração antes das refeições não fosse original, Chardin trouxe uma abordagem única, destacando a vida cotidiana em vez do aspecto religioso. O gesto da criança não é apenas um ato de fé, mas um reflexo de valores como disciplina e respeito.

Trata-se de um comentário sutil sobre o papel da educação e da moralidade na formação do indivíduo. O quadro não impõe uma lição moral rígida, mas convida o espectador a refletir sobre o equilíbrio entre disciplina e espontaneidade no dia a dia.

Relação com a crítica 💬

Exibida no Salão de Paris de 1740, a pintura foi imediatamente bem recebida, tanto pelo público quanto pela crítica. O sucesso foi tão grande que Chardin presenteou uma versão da obra ao rei Luís XV.

O monarca gostou tanto do artista que lhe concedeu uma pensão real, que foi aumentando ao longo dos anos. Em 1768, ele se mudou para um apartamento no Louvre, onde viveu até sua morte em 1779.

Ao longo de sua carreira, os contemporâneos de Chardin sustentavam que não havia evolução em sua obra, uma crítica ligada à hierarquia acadêmica dos gêneros pictóricos. Segundo essa classificação, os gêneros eram organizados do menos ao mais nobre: natureza-morta, paisagem, cena de gênero, retrato e, no topo, a pintura histórica.

Um comentarista anônimo da época colocou a questão da seguinte forma:

Seu primeiro mestre foi a natureza… Essa precisão (com o claro-escuro e uso das cores) sem dúvida o impediu de se elevar ao gênero da história, que exige mais conhecimento, imaginação, esforço, genialidade e detalhes do que todos os outros gêneros. Ele se limitou a um, preferindo ser o primeiro em um gênero inferior, do que ser confundido na multidão de pintores medíocres em um gênero superior.

Aceitando essa hierarquia, Chardin elevou composições despojadas de objetos cotidianos a um novo patamar, graças à sua refinada técnica pictórica. Apesar das críticas, foi amplamente reconhecido em vida e celebrado por poetas e intelectuais.

Entre seus admiradores estava Denis Diderot, o mais influente crítico de arte da época e editor da Encyclopédie. Enquanto alguns lamentavam sua suposta incapacidade de abordar temas mais nobres, Diderot via sua genialidade na forma como capturava a realidade.

Isso é a própria natureza. Os objetos se destacam da tela e são tão reais que meus olhos são enganados por eles. Para olhar as pinturas de outros artistas, sinto que preciso de olhos diferentes; mas para olhar as de Chardin, basta que eu use os que a natureza me deu e os utilize corretamente. - Denis Diderot, em 1765.

Legado moderno 🌟

Em seus últimos anos, Chardin enfrentou desafios com as mudanças no gosto artístico. O neoclassicismo emergente, com sua grandiosidade e idealismo, reduziu o prestígio da estética doméstica e introspectiva que marcava sua obra.

Após sua morte, seu nome caiu em relativa obscuridade, mas foi resgatado por artistas, críticos e historiadores que reconheceram seu papel na evolução da pintura moderna. Sua abordagem à luz, cor e composição inspirou artistas do século XIX, como os impressionistas, que admiravam sua sutileza na captura da atmosfera.

Posteriormente, Paul Cézanne viu em Chardin um precursor da modernidade. Enquanto Matisse, Braque e Morandi reconheceram sua influência na transformação de cenas triviais em obras-primas atemporais.

Seu sentimento não era forçado, mas nascia da honestidade e da empatia, tornando-o um dos mais adoráveis pintores do século XVIII. Em um mundo acelerado, sua obra nos convida a pausar e contemplar, lembrando que há beleza nas pequenas coisas, na repetição do cotidiano e na serenidade do momento presente.​

Parte do acervo permanente do MASP, a obra e seu criador são os assuntos de hoje na Arte da Semana na PIRA27. Explore essa história com a gente:

Jornada modernista 🎨

Na infância, Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque Melo era apenas Didi. O apelido se reduziu a Di. E o nome artístico Di Cavalcanti se tornou um dos maiores do Modernismo Brasileiro.

Nascido em 1897, no Rio de Janeiro, na casa do tio abolicionista José do Patrocínio, cresceu entre acordes de música clássica e páginas de literatura. Foi nesse ambiente que começou a desenhar o Brasil que carregaria para sempre em sua obra.

Aos 12 anos, já rabiscava versos e caricaturas. Aos 17, virou ilustrador de revistas e livros, inaugurando uma carreira de protagonismo na arte brasileira.

Em 1917, mudou-se para São Paulo. Na capital paulista passou a conviver com intelectuais e artistas como Mário de Andrade, Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Guilherme de Almeida e Monteiro Lobato.

Nesse universo, Di Cavalcanti é tido como o mentor da ideia que resultaria no grande marco do Modernismo Brasileiro: a Semana de Arte Moderna.

O Centenário da Independência do Brasil era a oportunidade ideal. Em 1922, os modernistas deram um novo grito de emancipação, agora artística.

Rompendo com os cânones acadêmicos, pretendiam criar formas que pudessem ser consideradas brasileiras. Para o evento, Di Cavalcanti apresentou 12 trabalhos, além de criar o catálogo da exposição.

O artista era o único entre os modernistas que ainda não havia tido contato direto com a arte europeia, pois nunca viajara ao exterior. Após a Semana, o dinheiro da venda de algumas obras virou passagem para Paris.

Da Europa ao Brasil ✈️

Na França, Di Cavalcanti montou um pequeno ateliê e se aprofundou nas vanguardas artísticas. Lá também conheceu e passou a conviver com figuras como Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Pablo Picasso, Georges Braque e Henri Matisse.

O contato com Picasso, de quem se tornou amigo até a morte do espanhol, moldou definitivamente sua linguagem visual: cores intensas, formas simplificadas e curvas sinuosas passaram a dominar suas telas.

A influência do Expressionismo Alemão, especialmente da obra de George Grosz, reforçou no artista o desejo de denunciar as questões políticas e sociais do Brasil. De volta ao país, ele adotou uma temática nacionalista, com forte preocupação com o povo e a identidade brasileira.

A partir da década de 1930, Di Cavalcanti assumiu um papel singular na pintura nacional, ressaltando a relação entre produção artística e o compromisso social. O samba, a favela, o malandro, a mulata, as prostitutas e os bares boêmios do Rio de Janeiro tornaram-se em personagens recorrentes de sua obra.

O artista via a arte como uma forma de participação social . Desafortunadamente, essa atuação intensa e crítica o levou à prisão três vezes durante a ditadura do Estado Novo.

O cotidiano brasileiro 🇧🇷

Entre as décadas de 1920 e 1940, Di Cavalcanti produziu algumas de suas pinturas mais emblemáticas. Em parte dessa obra, retratou mulheres em momentos de lazer ou repouso, oscilando entre o prazer e a melancolia.

Inclui-se nesse grupo Cinco Moças de Guaratinguetá, um quadro que transmite uma atmosfera de vida simples. Essa sensação se revela na suavidade da composição e em detalhes como o muro à direita, com tijolos expostos e desgastados pelo tempo.

As cinco personagens preenchem a tela em um arranjo equilibrado. Duas estão à frente: uma encara o observador, enquanto a outra surge de perfil. No segundo plano, a disposição se repete em espelho. Ao fundo, reclinada na janela, a quinta figura tem um olhar distante e sonhador.

As moças exibem tons de pele e vestidos de diferentes cores. O jogo cromático típico de Di Cavalcanti aparece nas transições tonais, criando volume e profundidade.

As cinco mulheres posam como em um retrato. O ponto de vista próximo aos personagens reforça o lirismo e a empatia do observador.

Nenhuma delas troca olhares, cada uma mira um ponto distinto. Ainda assim, o desenho conecta os corpos por linhas retas e curvas, guiando o olhar do espectador de forma fluida.

A cena é repleta de detalhes, do desenho dos figurinos aos chapéus cloche, dos vestidos estampados aos elementos arquitetônicos. Essa riqueza visual dá ao quadro um tom particular: singelo, mas dinâmico; brejeiro, mas austero.

O mistério das moças 🎪

Uma hipótese encantadora sugere que as mulheres de Cinco Moças de Guaratinguetá seriam da família do palhaço Piolin, ícone do circo brasileiro. Recentemente, foram identificadas como Benedita, ao fundo, e suas filhas Albertina, Ariel, Áurea e Aiola Pinto.

Aiola, acrobata, comediante e equilibrista do circo, também aparece em Menina de Guaratinguetá. Essa ligação com a cultura popular reforça o modernismo como celebração das raízes brasileiras.

Os tipos populares são marcas essenciais de um artista que soube transformar influências externas em uma linguagem brasileira. Um criador que via a figuração como uma ferramenta política e histórica para representar o Brasil e seu povo.

Após rodar o mundo com seu trabalho e se tornar amigo dos grandes artistas e escritores de sua época, Didi faleceu em 1979. Hoje, sua produção, estimada em cerca de 9.000 obras entre pinturas e desenhos, está espalhada por museus no Brasil e no exterior, além de integrar coleções particulares na América Latina, nos Estados Unidos e na Europa.

Ponto alto da cultura francesa, o Louvre abriga um acervo que atravessa nove mil anos de história. Quando o museu escolhe um artista contemporâneo para entrar definitivamente nessa coleção, o fato é raro o suficiente para ser notado.

É o caso de Anselm Kiefer, primeiro artista vivo a ter uma obra encomendada pelo Louvre em mais de meio século. Sua história e criação é o nosso tema de hoje aqui na PIRA27.

Quebrando o silêncio 🇩🇪

Anselm Kiefer nasceu na Alemanha em março de 1945, e isso o moldou para sempre. Crescido em meio a devastação da Segunda Guerra Mundial, ele teve sua casa bombardeada na noite de seu parto.

Quando criança, brincava entre os escombros e costumava construir pequenas casas com os amontoados de pedras e tijolos. “As ruínas são maravilhosas porque são o começo de algo novo, você pode fazer algo com elas”, diz ele.

O pequeno construtor amadureceu com inclinação para a criatividade. No entanto, ao ingressar na universidade, optou pelo direito. Mas após três semestres, transferiu-se para a academia de arte.

Seu trabalho artístico partiu de uma questão fundamental: como, depois do Holocausto, ser um artista que se inscreve na tradição alemã?

Como sentenciou Theodor Adorno, “escrever poesia depois de Auschwitz é bárbaro”. Nesse sentido, Kiefer acompanhou a visão desconcertante de Imre Kertész, que afirmou que toda criação artística era inevitavelmente de Auschwitz.

A Alemanha da qual Kiefer fez parte não muito tempo antes iniciou uma guerra e exterminou seis milhões de judeus. Na escola, seu professor de arte era um ex-membro da SS nazista. Quando ele estudou direito, seus professores eram ex-nazistas.

As atrocidades da qual esta sociedade era responsável eram indescritíveis. Mas quando Kiefer era jovem, ninguém falava sobre isso. Mesmo que uma geração inteira tivesse perpetrado os atos mais atrozes e traumáticos, ninguém tocava nesse assunto.

Por culpa ou vergonha, o passado violento do país era ao mesmo tempo oculto e visível. A verdade estava escondida e Kiefer não podia mais acreditar no superficial.

Seu projeto artístico atravessou o silêncio como uma lâmina afiada.

Estética da ruína 🪨

Da confrontação ao histórico do nazismo e a ilusão de sua superação — destruição e reconstrução —, somada à lembrança visual da infância do artista, surgiu a implementação de uma estética da ruína. Sua obsessão está em transformar o reprimido, o esquecido, o meramente intelectual em forma física.

Toda a obra de Kiefer mergulha na ideia de memória, destruição e violência, combinada em doses inteligentes de literatura que vai de Paul Celan à Cabala. Ele ganhou notoriedade nas décadas de 1970 e 80 ao abordar mitos e questões alemãs contaminados pelo nazismo.

Inspirou-se nas florestas simbólicas, nas paisagens românticas de Caspar David Friedrich e nas referências a Richard Wagner, explorando fotografia, pintura e escultura. Com o tempo, expandiu seu interesse em poesia e mitos de diversas culturas para explorar o esforço humano diante da entropia e decadência.

Quanto à forma, suas telas parecem opacas e cinzas. No entanto, suas cores, sutis e escondidas, emergem lentamente, à medida que a pintura é absorvida pelo olhar.

Além da tinta, Kiefer adiciona materiais como argila, gesso, palha, cinzas e metais. Ele queima, raspa e rabisca palavras buscando extrair o que pensa para cada obra.

Ele derrama chumbo sobre as pinturas, introduzindo um componente de acaso. Nessa luta contra o próprio material, resulta uma impressão selvagem e caótica. Uma violência pertencente à natureza do elemento, que se relaciona com escombros e pilhas de metal.

Se houver muita ordem, a peça está morta; se houver muito caos, ela perde coerência. — Anselm Kiefer

Kiefer vai ao Louvre 🇫🇷

Desde sua criação em 1793, o Museu do Louvre recebeu incorporações de diversos tipos. Monarcas adicionaram novas alas ao edifício, contratando pintores e escultores à vontade.

Porém, com a chegada dos impressionistas na metade final do século XIX, os curadores da França se distanciaram da criação contemporânea. Durante o século seguinte, o museu adotou uma postura restritiva aos artistas vivos.

É certo que houve exceções, como na arquitetura do palácio. Em 1989, a famosa pirâmide de vidro projetada por Ieoh Ming Pei foi instalada na entrada do museu. Contudo, as iniciativas enfrentaram objeções.

Quando o Louvre procurou Kiefer em 2007, havia se passado cinquenta e quatro anos desde que Georges Braque fora convidado para pintar três painéis do teto de uma das salas do edifício, em 1953. Kiefer ficou emocionado quando lhe foi oferecido o espaço entre os egípcios e os sumérios. Toda a arte egípcia fala de renascimento e ressurreição”, explicou.

O artista é bastante preocupado com o lugar em que sua arte é exposta. Segundo ele, suas obras perdem seu poder completamente se colocadas nos espaços errados.

A obra de 10m de altura está situada em um painel arqueado no topo de uma escada napoleônica. Nela, um homem nu repousa de costas no chão. Talvez morto, talvez não.

Acima dele, dominando quase toda a cena, um cosmos turbulento e repleto de estrelas gira em majestosa desordem, ao qual seu corpo se liga por um fio de luz prateada. A paleta é bastante restrita, com toques de azul e marrom no primeiro plano, além de discretas linhas douradas que cortam a composição.

Kiefer trabalha os materiais de sua tela. O chumbo líquido é derramado, nuvens brancas são arrancadas do céu escuro, e texturas se incorporam à obra.

Seu título, Athanor, foi inspirado nos fornos alquímicos usados para transformar chumbo em ouro. O termo também é empregado para descrever a busca de renascimento espiritual.

Para esta obra, Kiefer não se refere à cultura alemã. A pintura provoca reflexões sobre o papel do ser humano no universo, investigando conceitos de espaço, tempo, memória e transcendência da arte.

No Louvre, Athanor é acompanhada por um par de esculturas que ele criou. Elas se relacionam com mitologia e religião.

Em Hortus Conclusus (jardim fechado, em latim), uma pilha de terra suporta hastes que remetem a caules de folhas moribundas. A imagem remete ao monte em que Jesus foi crucificado.

Já em Danaë, um girassol negro e despetalado surge de livros de chumbo. O título remete à mitologia grega, na qual Zeus, em forma de chuva de ouro, engravidou a princesa Dânae, dando origem a Perseu.

Eu vim para a França pela primeira vez aos 17 anos em um caminhão e fui, por acidente, deixado no Louvre. Eu sempre penso em círculos, então eu gosto de agora ter uma pintura lá. — Anselm Kiefer

O fazer do artista 🏛️

Kiefer caiu bem no gosto dos franceses. Em 2020, foi contratado pelo presidente Emmanuel Macron para uma instalação em homenagem ao escritor e soldado da Primeira Guerra Mundial Maurice Genevoix. Ele se tornou o primeiro artista a realizar um trabalho permanente para o Pantheon, em Paris, em quase um século.

Uma pessoa minimalista cuja expressão artística é maximalista, Kiefer trouxe seu estilo pesado em um momento em que o mínimo estava em voga na arte contemporânea.

A tensão presente controle e desordem em suas pinturas também se encontra na arquitetura de seus estúdios. Em Barjac, no sul da França ele construiu um complexo de 40 hectares que abriga mais de 90 instalações, conectadas por túneis e criptas subterrâneas.

La Ribaute, como é chamada, com o tempo se tornou uma obra de arte em si. Em 2020, o ambiente imersivo se tornou aberto ao público com a mudança do artista para um novo estúdio nos arredores de Paris, um enorme complexo de 36 mil metros. Tão grande que Kiefer utiliza uma bicicleta para se locomover.

Estes espaços e parte de seu processo criativo podem ser vistos no filme Anselm (2023), de Win Wenders. Na película, o diretor de Paris, Texas (1984) e Dias Perfeitos (2023) revisita a carreira do artista e acompanha seu processo para exteriorizar sua arte.

Nenhuma obra de arte não ocidental foi reproduzida tão amplamente em tantas partes do mundo quanto A Grande Onda de Kanagawa, de Katsushika Hokusai. O entusiasmo por gravuras japonesas influenciou a arte europeia, espalhou-se pelo mundo e hoje aterrisa aqui na Pira27.

Uma aposta no Fuji 🇯🇵

Hokusai, aos setenta anos, já era um celebrado artista e ilustrador de livros quando iniciou a série Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji. Excepcional observador da natureza, ele retratou a grande montanha japonesa sob diferentes pontos de vista, estações do ano e horas do dia.

Por necessitar de prensas e investimento para imprimir em grande escala, a arte ukiyo-e, técnica de xilogravura japonesa, dependia de financiamento para sua produção. Houkusai contou com a parceria de Nishimura Yohachi, proprietário da editora Eijudō, e responsável por publicar e distribuir a coleção.

O potencial comercial do Monte Fuji revelou-se verdadeiro, e dez gravuras adicionais foram encomendadas. Embora hoje saibamos do seu êxito, sua publicação foi um empreendimento que envolvia uma certa quantidade de risco.

Se a série Fuji não tivesse caído nas graças do público, o editor provavelmente a teria descontinuado. Foi o destino de One Hundred Poems as Told by the Nurse, da qual apenas noventa e um de uma centena prometida apareceram.

O sucesso, no entanto, não garantiu riqueza. O acordo com a editora previa o pagamento apenas pelos desenhos concluídos, sem royalties das reproduções.

A paisagem marinha ⚓️

Dentre as variadas vistas do Monte Fuji, nenhuma foi tão icônica quanto A Grande Onda. Um instante de fúria e beleza capturado pelo artista.

O monte, considerado um símbolo sagrado, de inspiração espiritual e de estabilidade para os japoneses, é envolvido por um efeito atmosférico de gradação de cores. A neve no topo completa sua representação.

Monumental em tamanho e com cristas em forma de garras, uma onda paira com o Fuji ao fundo. Em uma inspeção mais detalhada, revela-se três barcos de pescadores que corajosamente enfrentam o paredão de água1.

Eles terão sucesso? Hokusai não impõe uma conclusão à narrativa.

O suspense se perpetua, mantendo o espectador em uma tensão tão dinâmica quanto a cena que se desenrola. De mesmo modo, não sabemos se estamos vendo a cena em um barco semelhante ou através de um telescópio.

A obra sugere a fragilidade humana diante da força da natureza. A quebra da onda contrasta com o Monte Fuji ao fundo, que permanece inabalável em meio ao caos, contrapondo o sagrado e a vida secular.

O azul intenso da gravura vem do uso pioneiro da tinta azul prussiana, um pigmento sintético e importado da Europa, provavelmente via China. Desenvolvido no início do século XVIII, oferecia uma vantagem sobre o índigo por ser insolúvel em água.

Outros elementos que remetem à arte ocidental também foram adotados: a linha do horizonte baixa e o uso de perspectiva linear.

Uma onda pela Europa 🗺️

Na década de 1860, livros ilustrados e impressões de folhas soltas das gravuras de Hokusai, começaram a circular rapidamente pela Europa. A velocidade dessa disseminação refletia novos avanços em transporte e comunicação.

A Onda revelou múltiplas experiências para diferentes públicos. Para alguns, ela denotava mudança. Para outros, era uma metáfora para o tempo, a memória, a condição humana e até mesmo a própria consciência. 

O uso de grandes áreas planas de cor, linhas fortes e cores vivas ajudaram a abrir novas abordagens para a pintura europeia. Na década de 1870, o termo japonismo foi adotado para se referir ao entusiasmo por todas as coisas japonesas.

Essa influência tornou-se um símbolo de ruptura com a tradição, inspirando movimentos artísticos que valorizavam a mudança. Sem Hokusai, poderia não ter havido Impressionismo.

Entre os artistas impactados, estão:

🏡 Claude Monet: o artista adquiriu 250 gravuras japonesas, incluindo 23 de Hokusai, que cobriam as paredes de sua casa em Giverny.

🌌 Vincent van Gogh: aplicou elementos semelhantes em A Noite Estrelada, como estilo de linhas, uso da cor e o contraste entre o caos e a calma.

🇫🇷 Henri Rivière: inspirado pela série do Monte Fuji, produziu Trinta e Seis Vistas da Torre Eiffel.

🎼 Claude Debussy: impactado pela estética de Hokusai, criou a composição La Mer, que evoca a vastidão e o movimento das águas.

Um símbolo global 🌐

A Grande Onda infiltrou a consciência americana no pós-guerra. Museus ajudaram na disseminação por meio de exposições e publicações, mas o comércio e a mídia de massa foram instrumentais nesse processo.

A arte de Hokusai atravessou contextos culturais e temporais, ganhando valor comercial global. Sua adaptabilidade a transformou em um símbolo versátil, muitas vezes desvinculado do Japão e usado para promover produtos multiculturais.

Com seu apelo natural e universal, a imagem migrou para decoração, moda, artigos de papelaria e ganhou seu próprio emoji 🌊, imprimindo um estilo de vida aspiracional aos consumidores. Nessa perspectiva, uma metáfora pode ter sido feita pelo artista norte-americano Phil Hansen, que a recriou usando Coca-Cola como tinta.

Ironias à parte, Hokusai tornou-se o artista japonês mais reconhecido internacionalmente. Uma homenagem contemporânea está no Aeroporto de Vancouver.

Localizada no saguão de embarque, a iluminada Great Wave Wall com quarenta metros de largura e dez de altura, feita pelo alemão Lutz Haufschild, chama a atenção dos passageiros que aguardam seus voos. Trata-se de uma composição em que uma grande onda parece se dirigir ao observador, conforme a sua posição e a da luz.

Essa imersão foi planejada em 1996, quando o aeroporto passou por um redesenho baseado na ideia de Terra, Mar e Céu como estradas de viagem. A decisão de criar um ambiente oceânico acabou aceita pelas autoridades aeroportuárias.

Mais recentemente, a Grande Onda foi rememorada após o tsunami que devastou o norte do Japão em 2011. Os preparativos para uma exposição da gravura no Museu Britânico incluíram conversas com a Embaixada Japonesa para evitar que a mostra fosse vista como um lembrete inapropriado do desastre.

Com o efeito contrário, em postagens ao redor do mundo, a imagem foi lida como uma expressão de simpatia pelas vítimas. Uma alegoria de superação que, tal como o uso da gravura, pode ser universal.

Assim como os pescadores no barco, deve-se seguir remando, desafiando ondas que parecem superar em tudo. Talvez, no entanto, o segredo da obra de Hokusai esteja no que não se vê em primeiro plano: na calma aparente do Monte Fuji, um lembrete de que, por mais turbulento que seja o mar, sempre haverá algo estável para onde se pode olhar.

O mar é seu espelho; você contempla sua alma — Charles Baudelaire.

Pintada em um painel de madeira, a cena impressiona pela maestria nas técnicas de perspectiva, nas quais objetos e figuras diminuem de tamanho conforme se afastam. Cavaleiros, cavalos e caçadores se movem em direção ao centro da pintura, enquanto cervos desaparecem na floresta densa e iluminada pela lua.

Como uma foto panorâmica 📸

Nessa obra, Uccello apresenta seu interesse e predileção por representações de campos visuais amplos, muito mais amplos do que o que pode ser abrangido de uma só vez por um olho humano: a cena é vista justamente como se nosso olhar girasse 180°, constituindo uma justaposição de cenas sucessivas.

É isso que Uccello faz ao dividir a estrutura espacial de sua cena em sequências, graças aos grandes troncos das quatro árvores em primeiro plano. Essas verticais dividem o retângulo do quadro em cinco partes, duas menores nas extremidades e três maiores na zona central.

Literal ou simbólica? 🔍

A obra não revela seu significado de imediato. O ambiente e os elementos criam uma atmosfera grandiosa, sugerindo que se trata mais de uma fantasia cavalheiresca do que de uma cena realista.

Uma interpretação é que a pintura seja uma alegoria da busca pelo amor. Essa jornada, que pode levar a lugares desconhecidos, talvez esteja simbolicamente refletida na caça.

Outra possibilidade é que a pintura tenha sido encomendada por um nobre que desejava uma cena única e decorativa. Ela pode ter sido planejada para um grande ambiente interior.

Sutilezas entre os verdes 🌿

É preciso muita habilidade e maturidade para modelar os tons de verde que dominam o quadro. As folhagens se destacam na floresta escura, enquanto os cinzas, vermelhos dos capacetes e os tons claros dos cães e cavalos realçam a paisagem.

Todos os caçadores têm rostos parecidos, com narizes, olhos e proporções faciais idênticas. A maioria é mostrada de perfil, o que torna mais fácil perceber as semelhanças entre eles.

Pela forma de suas folhas, as árvores são identificadas como carvalhos. O artista evitou galhos baixos para não obstruir a visão da caçada.

As árvores estão dispostas matematicamente. Somos conduzidos pelos carvalhos escuros que se fecham sobre o caminho, quase como se estivessem conspirando para aprisionar os caçadores em seu interior.

Referências à Diana, deusa romana da caça, podem ser encontradas:

🌙 Rédeas dos cavalos: algumas possuem uma lua crescente, símbolo da deusa;

🌳 Bosque de carvalho: considerado sagrado para Diana;

🌒 Céu noturno: de modo quase imperceptível, está na fase de lua crescente.

Não se pode Agradar a todos 🤷‍♂️

Embora tenha ficado para a história da arte como um artista que dominou a perspectiva e a geometria, o estilo de Uccello não agradou a todos. Giorgio Vasari, primeiro historiador da arte, alegou que essa dedicação excessiva em detalhes técnicos, resultou em um estilo que, apesar de sua precisão, carecia de graça e vitalidade.

De todo modo, Uccello e seu ponto de fuga, que atrai nosso olhar profundamente para a floresta sem fim, tornaram-se marcos na transição da arte medieval para o Renascimento. O estudo da perspectiva tornou-se um tema básico entre artistas e influenciou até mesmo o grande mestre Leonardo da Vinci.

Quer mais que isso?

Este acontecimento está por trás de um dos maiores gritos contra os horrores da guerra já feitos por um artista. Para entender mais sobre esse contexto e a obra em si, fique com a gente nessa edição da Arte da Semana.

A Espanha na sombra de Napoleão ⚔️

Para entender melhor essa obra, é necessário voltar no tempo, para a Espanha do início do século XIX. Em 1808, a Europa estava em chamas.

Napoleão Bonaparte, autoproclamado imperador dos franceses, em sua campanha para conquistar o continente, ocupou a Espanha. Inicialmente recebido com alguma cooperação pela elite local, o exército francês logo se tornou um símbolo de opressão e violência.

Madrid, a capital, tornou-se o epicentro de uma revolta popular contra os invasores. No dia 2 de maio, a população se armou com facas, ferros de marcar gado, ferramentas domésticas – qualquer coisa que encontrassem – e atacou.

A cavalaria foi convocada para sufocar a rebelião, e combates violentos ocorreram por toda a cidade. Mal armados e sem liderança, os insurgentes foram brutalmente esmagados pela força militar francesa.

A resposta não tardou. Durante toda a noite após o ataque, e nas primeiras horas da manhã seguinte, os franceses executaram, sem julgamento, centenas de pessoas capturadas.

A população de Madri, desencaminhada, se entregou à revolta e ao assassinato. Sangue francês foi derramado. Isso exige vingança. - Joaquim Murat, Tenente-General francês.

O horror da guerra 🩸

O pintor Francisco Goya, que morava nas proximidades, foi profundamente impactado pelos eventos. Quando as tropas de Napoleão foram expulsas em 1814, ele aproveitou a oportunidade para registrar o que acontecera naqueles dias.

O artista produziu duas grandes telas que relembram os brutais eventos de 2 de maio e 3 de maio de 1808. As obras sugerem uma compreensão profunda e íntima do sofrimento que presenciou.

Em três de maio, a mais proeminente delas, somos imediatamente atraídos pela figura central: um homem comum, vestido com uma camisa branca, de braços abertos, confrontando a morte com uma mistura de desespero e resignação.

Ao redor dele, outros condenados aguardam seu destino. O tempo está congelado, mas o desfecho é certo.

Em poucos segundos, o grupo terá caído e será substituído por outro que sobe a colina para enfrentar o pelotão de fuzilamento. A composição é habilmente organizada para que nossos olhos sigam de uma figura a outra, sentindo a tensão e o medo que permeiam a imagem.

Os soldados, com suas costas voltadas para o espectador, formam uma linha impenetrável, com seus rostos ocultos pelas sombras e pelos chapéus. Eles são desprovidos de identidade, como uma força coletiva que age sem remorso.

O espectador não encontra dificuldade em sentir vividamente os sons da cena: um grito de angústia, os gemidos abafados, as explosões dos rifles. Algo notável levando em consideração que Goya era surdo.

A luz que ilumina a cena não vem do céu, mas de uma lanterna colocada no chão, destacando a expressão de horror do personagem principal. A cidade de Madrid, ao fundo, é sombria e irreconhecível, como se fosse um cenário de pesadelo.

A escolha de Goya de representar o evento à noite, não foi acidental. A escuridão que domina a maior parte da tela não é apenas física, mas simbólica.

A paleta de marrons, pretos e cinzas reforça ainda mais a sensação de claustrofobia e desesperança. Goya pintou de forma solta, manipulando a tinta de maneira dinâmica. Além de pincéis, era comum que ele utilizasse espátulas e os próprios dedos.

Um marco na arte ocidental 🏛️

O impacto emocional da tela é intensificado pela maneira como Goya rompe com as convenções artísticas de sua época. Ele abandonou a tradição da pintura histórica que glorificava heróis e feitos grandiosos, recusando-se a romantizar a violência.

Em vez disso, Goya colocou no centro de sua obra o sofrimento de pessoas comuns. Ele fez uma denúncia, um clamor contra a desumanidade que a guerra desencadeia, abrindo caminho para uma arte como meio de crítica social.

Não é de surpreender que essa obra tenha influenciado profundamente artistas posteriores. Édouard Manet e Pablo Picasso, por exemplo, criaram pinturas diretamente influenciadas pela composição de Goya.

Descubra mais sobre a obra e seus detalhes nesta edição da PIRA27.

A rebeldia impressionista 🧨

Inauguradores da arte moderna, os impressionistas foram o grupo mais radical, rebelde e disruptivos em toda a história da arte. Eles sofreram privações pessoais e ridículo profissional na perseguição obstinada de suas visões artísticas.

Tudo isso por rasgarem o livro de regras da Academia de Belas Artes e sacudirem o establishment artístico pintando temas vulgares como pessoas comuns em um piquenique, bebendo ou andando. O que, em analogia, soaria para a época como se Martin Scorsese virasse um youtuber.

Além disso, eles não faziam questão nenhuma de esconder sua rejeição à perspectiva, a composição equilibrada, as figuras idealizadas e o chiaroscuro da Renascença. Ao contrário, eles acentuavam seu manejo do pincel em toques grossos, curtos e coloridos, que acrescentavam uma impressão de energia jovem a suas pinturas, refletindo o espírito de seu tempo.

Um instante de alegria captado 🎨

Na busca por expressar as alegrias cotidianas da vida, Baile no Moulin de la Galette retrata figuras humanas vestidas com suas roupas mais finas, dançando e bebendo. Cada personagem parece imerso em um estado de despreocupação, refletindo a atmosfera vibrante da vida boêmia parisiense.

Cortando figuras na beirada da tela, ele tornou implícito que a cena se expandia para além da moldura. A multidão é distribuída de maneira a criar um fluxo natural, levando o olhar do espectador pela cena.

O artista explorou a percepção de profundidade, desfocando as pessoas ao fundo em pinceladas pouco definidas. Somente os rostos no primeiro plano são representados com alguns detalhes, algo audacioso e pouco convencional para a época.

Renoir fragmentava a forma em manchas brilhantes, figuras sem contornos e de distintas cores. Outra característica sua era o uso de cores primárias, além da recusa em usar o preto (substituindo pelo azul).

A aparente superficialidade da obra nada tem a ver com desleixo. Ao contrário, se o artista tivesse pintado todos os detalhes, o quadro teria um aspecto monótono e sem vida.

Impressionistas como ele sabiam o poder do olho humano. Sendo assim, bastava fornecer a sugestão correta, que o nosso olhar trataria de construir a imagem total ali presente.

Na Paris romântica e rebelde🍷

O nome Moulin de la Galette, refere-se ao conjunto de dois moinhos de vento, o Moulin Blute-Fin e o Moulin Radet. Localizado em Montmartre, bairro conhecido por seu charme boêmio, cafés animados e o icônico Moulin Rouge, o local foi retratado por diversos artistas, como Vincent Van Gogh, Toulouse-Lautrec e Pablo Picasso.

Atualmente, o local abriga um restaurante com o mesmo nome. Se você estiver por Paris para às Olimpíadas, pode dar uma passadinha e se deliciar com pratos típicos da culinária francesa.

Nossa Arte da Semana reflete essa conexão. Hoje um ícone cultural, a mais famosa de todas as obras de Munch foi pintada em 1893 e evoca a intensidade emocional do artista.

Descubra mais a seguir!

Angústia e emoção 👨‍🎨

O norueguês Edvard Munch era um homem carregado de intensas emoções e angústias existenciais. Sua mãe morreu quando ele tinha cinco anos e sua irmã quando ele tinha 16, ambas de tuberculose.

Essas experiências o afetaram profundamente e, quando adulto, ele sofreu surtos de doença mental e foi submetido a terapia de choque elétrico. Internado por depressão, Munch fez de seus problemas psicológicos os catalisadores de sua arte.

Após visitar Paris em 1889, ele ficou fortemente inspirado por artistas como Vincent van Gogh, do qual reproduziu alguns métodos para transmitir suas emoções íntimas mais profundas. É considerado precursor do Expressionismo, movimento que abandonou a ideia de a arte ser fiel à natureza para fazer obras que transmitissem um sentimento interno e subjetivo em uma perspectiva externa.

Doença, loucura e morte sempre embalaram meu berço - Edvard Munch

Um grito da natureza 🔊

Munch produziu imagens inusuais e oníricas por meio de linhas rodopiantes e cores fortes, que, por resultado, enfatizam as sensações de desolação, angústia, ansiedade e medo. A ausência de linhas horizontais impede a sensação de paz na imagem e o intenso contraste entre o azul e o laranja causa estranheza no espectador.

Tais elementos potencializam o pessimismo da pintura. Acima de um corpo curvo, duas mãos compridas envolvem uma cabeça (semelhante a uma caveira ou caricatura), ao mesmo tempo que tapam suas orelhas.

As figuras verticais ao fundo, ao caminhar pela ponte, aumentam a sensação de perigo inexplicável. O personagem é enlouquecido pela violenta agitação de linhas longas e sinuosas.

Os olhos estão arregalados e a boca aberta no que parece ser um grito que ecoa por toda a composição. Tudo isso parece conduzir ao elemento principal da tela.

É como se todo o cenário participasse da angústia e excitação. O que sugere que a figura não está gritando, mas sim a natureza ao seu redor.

A vermelhidão do céu que inspirou Munch foi um fenômeno natural que realmente aconteceu. Em 1883, a erupção do vulcão Krakatoa na Indonésia lançou uma enorme quantidade de cinzas na atmosfera, o que causou céus vermelhos e espetaculares pores do sol em várias partes do mundo nos anos seguintes.

Da censura à cultura pop 📺

Décadas mais tarde, a obra foi classificada como arte degenerada pelo totalitarismo nazista e retirada de exibição. Os nazistas desprezavam qualquer forma de arte moderna que eles consideravam subversiva, decadente ou inapropriada para a cultura ariana.

Atualmente, diversas referências e homenagens a O Grito podem ser encontradas na cultura pop. Por exemplo na máscara do vilão do filme Pânico (Scream), no pôster de Esqueceram de Mim e no emoji 😱. Em 2012, uma das versões da pintura foi leiloada por quase 120 milhões de dólares, consolidando seu status no mundo da arte.

A arte é o oposto da natureza. Uma obra de arte só pode vir de dentro de uma pessoa. - Edvard Munch.

Jean-Paul Marat, jornalista conhecido por suas posições radicais e pela publicação do incendiário jornal L'Ami du Peuple, encontrou seu fim de maneira trágica. Sua assassina? Charlotte Corday, uma jovem que considerava sua morte um serviço à França.

Marat sofria de uma doença crônica de pele que o obrigava a passar longas horas imerso em banhos medicinais. Mesmo diante de sua enfermidade, não hesitava em pedir a cabeça de qualquer crítico dos Jacobinos.

Foi nesse cenário que Corday, com a desculpa de entregar uma lista de traidores, conseguiu acesso ao revolucionário. Após uma breve conversa, ela o esfaqueou fatalmente no peito, transformando aquele pequeno cômodo no palco de um dos mais emblemáticos assassinatos da história francesa.

A cena brutal foi imediatamente transformada em símbolo.

A arte da propaganda 📢

Jacques-Louis David, amigo próximo de Marat e um dos principais artistas da época, foi incumbido de criar uma obra que eternizasse a memória do revolucionário. Em apenas três meses, David produziu A Morte de Marat, uma pintura que transcendeu seu propósito inicial de memorial e se tornou uma poderosa propaganda da Revolução Francesa.

David simplificou a cena aos seus elementos essenciais. Com 1,65m de altura por 1,28m de largura, a obra captura o momento imediato após o assassinato.

Ele removeu a decoração ornamentada do banheiro de Marat e a substituiu por um vazio escurecido. O fundo monocromático realça a solenidade do momento, concentrando a atenção do observador na figura de Marat, iluminada suavemente.

O corpo de Marat, com seu braço caído em primeiro plano, evoca associações com a pose do corpo de Cristo ao ser descido da cruz. As marcas da sua doença de pele foram omitidas, e sua expressão é de uma tranquilidade quase sobrenatural.

A banheira, um símbolo de sua vulnerabilidade e sofrimento, se transforma em um altar de sacrifício. Na mão de Marat, a carta de Corday é um testemunho mudo de sua traição, enquanto o sangue que tinge a água da banheira e mancha suavemente as bordas do tecido enfatiza a violência de seu fim.

Reviravoltas 🇫🇷

A pintura foi recebida com aclamação pelos Jacobinos, que utilizaram a imagem de Marat para galvanizar o apoio popular. Exibida publicamente, ela idealizou Marat como um mártir, servindo como símbolo de resistência contra os inimigos da Revolução.

Porém, em 1794, a Revolução Francesa entrou em uma nova fase marcada por uma reação contra o radicalismo. A obra de David caiu em desgraça junto com a memória de Marat.

Ex-líderes Jacobinos foram guilhotinados. O próprio David foi julgado e escapou da morte apenas renunciando às suas atividades. Ele foi preso duas vezes antes de ser libertado em 1795.

Temendo pela integridade de sua obra, David decidiu escondê-la de possíveis destruições. Foi apenas no século XIX que a pintura foi redescoberta e reavaliada, destacando-se não apenas como um documento histórico, mas também como uma obra-prima artística.

Não deixe de conferir 🔍

Passados mais de 200 anos dos eventos da Revolução Francesa, A Morte de Marat é um ótimo (e possivelmente raro) exemplo de quando propaganda se torna grande arte. Um marco artístico que continua a fascinar e inspirar.

A obra costuma receber homenagens e referências em diferentes mídias, abaixo selecionamos três:

🗑️ Marat-Sebastião (2008), de Vik Muniz: parte da série Pictures of Garbage, a obra recria a pintura a partir de materiais encontrados no lixo. Na ocasião, o revolucionário é substituído por um catador chamado Sebastião. O lixo, antes associado à morte, ganha vida em forma de arte com Muniz e se transforma em sobrevivência para os catadores.

😱 The Death of Marat (2011), de He Xiangyu: o artista conceitual criou uma escultura em tamanho real do corpo de Ai Wei Wei, outro artista chinês que é perseguido pelo governo de seu país. Quando exibida na Alemanha, a obra causou pânico com seu realismo ao ser confundida com um cadáver real.

📹 Lady Gaga: The Death of Marat (2013), de Robert Wilson: vídeo retrato estreado no Museu do Louvre. Ao longo de dois minutos, a imagem vai lentamente se modificando enquanto a voz da cantora Lady Gaga recita um poema ao fundo. Em 2021 foi colocada à venda como NFT.

O ambiente fervilhava de criatividade, excentricidade e, claro, um toque de caos organizado. Nesse cenário vibrante, qualquer coisa poderia acontecer – e geralmente acontecia.

Então, imagine a cena: uma artista performática entra, saca uma pistola e, com a mesma facilidade com que alguém pede um café, dispara contra uma série de retratos de Marilyn Monroe. Parece uma comédia de absurdos, mas foi exatamente isso que aconteceu com The Shot Marilyns.

Nesta semana, vamos explorar a fascinante trajetória de Andy Warhol e como a obra The Shot Marilyns encapsula a essência da cultura de celebridades. Descubra o impacto dessa obra e suas curiosidades nesta edição da PIRA27.

Um artista pop 📺

De origem humilde, desde jovem Warhol se mostrou fascinado pelo glamour e pelas celebridades, um interesse que moldaria grande parte de sua obra. Ele começou sua carreira como ilustrador de revistas e publicidade em Nova York, onde rapidamente se destacou por seu estilo inovador.

Seu talento logo chamou a atenção, e ele se tornou um dos artistas comerciais mais bem-remunerados da cidade. Mas Warhol tinha ambições maiores. Ele queria não apenas retratar a cultura pop, mas também redefini-la.

A The Factory se tornou um epicentro de criatividade e experimentação, atraindo uma eclética mistura de artistas e celebridades. Suas obras, caracterizadas por cores vibrantes e a repetição de imagens, capturavam a essência da cultura de massa e do consumo.

A Pop Art, movimento do qual Warhol foi um dos principais expoentes, emergiu nos anos 1950 na tentativa de criar uma arte para todos. Warhol transformou objetos banais em ícones imagéticos, desafiando as noções tradicionais de beleza e valor artístico.

Replicando Marilyn 👱‍♀️

O artista abraçou a serigrafia, uma técnica de impressão que vinha sendo amplamente utilizada desde o início do século XX na produção têxtil. Essa escolha refletia a sua obsessão pela reprodução de múltiplas cópias de um mesmo produto, uma característica central da cultura de consumo.

Ele acreditava que, ao replicar incessantemente as imagens, poderia capturar a banalidade e onipresença de figuras populares. A série The Shot Marilyns, por exemplo, não só celebrava a atriz como um ícone de beleza e sensualidade, mas também simbolizava a fragilidade e efemeridade da fama.

Após a morte trágica de Marilyn Monroe em 1962, Warhol criou essas e outras obras em sua homenagem, refletindo sobre a adoração pública e a desumanização que a acompanhava. The Shot Marilyns consiste em diversos retratos serigrafados, cada um com cores vibrantes e contrastantes.

As imagens foram baseadas em uma fotografia publicitária de Monroe para o filme Niagara (1953). Warhol, inquieto pela fama e pela tragédia que cercavam a vida da atriz, explorou a dualidade da celebridade americana – ao mesmo tempo admirada e vulnerável​.

Warhol reinterpretou a foto original, exagerando alguns elementos para criar uma paródia das noções tradicionais de beleza. Seu rosto assume a aparência de uma máscara, e seu cabelo se assemelha a uma peruca.

A sombra nos olhos e o batom aplicados de maneira intensa e desproporcional. A artificialidade da imagem é ainda mais destacada pelas cores planas e não naturais que o artista empregou.

Bang Bang! 💥

Era uma tarde qualquer na The Factory. Àquela altura, o estúdio do artista já estava acostumado a receber visitantes de todo o tipo.

No meio de uma variedade de personalidades, entrou Dorothy Podber, uma figura excêntrica que circulava por lá. Ao ver aquelas pinturas de Marilyn Monroe empilhadas no estúdio, ela perguntou casualmente se poderia atirar nelas.

Acontece que em inglês o verbo to shot pode significar tanto atirar quanto fotografar. Warhol imaginando que se tratava do segundo significado, autorizou que ela executasse sua vontade.

Ninguém poderia ter previsto o que viria a seguir. Em um episódio que poderia estar na seção de Histórias Piradas, a mulher, que também era uma artista performática, tirou sua arma da bolsa e disparou contra as obras.

Warhol consertou as obras danificadas, mas baniu Podber do estúdio para sempre. Apesar disso, o nome The Shot Marilyns pegou.

Dou-lhe uma... Dou-lhe duas... Dou-lhe três! 💰

Atualmente, as distintas versões da série estão espalhadas entre diferentes proprietários. A versão intitulada como Shot Sage Blue Marilyn foi destaque na mídia em 2022, ao ser leiloada por US$ 195 milhões.

Esse valor significou um novo recorde. Shot Sage Blue Marilyn se tornou a obra de arte mais cara do século XX já vendida. Nas palavras do próprio artista:

“Os negócios são a melhor arte".

Mas por que esse quadro permanece um enigma pictórico para historiadores e críticos da arte? Confira a Arte da Semana da PIRA27 e venha descobrir!

O inventor da pintura a óleo? 🖌️

Por muito tempo foi atribuído a van Eyck os créditos pela invenção da pintura a óleo. Essa tese foi apresentada por escritores como o italiano Giorgio Vasari, autor do primeiro livro de história da arte.

Porém, estudos posteriores revelaram que a tinta já era empregada desde o século IX na China e no Afeganistão. Além da própria Europa desde a idade média.

Embora van Eyck estivesse longe de ser o primeiro a usar tinta a óleo, ele foi, sem dúvida, quem elevou essa técnica a um novo patamar. Seu aperfeiçoamento se deu com um método de aplicação em camadas finas e translúcidas, conhecidas como velaturas, que permitiam um controle meticuloso de luz e cor.

A qualidade do detalhe que van Eyck conseguiu trazer para suas pinturas ajudou a promover os benefícios da tinta para toda a comunidade artística. Anteriormente, os pintores usavam principalmente tinta têmpera.

Contudo, a têmpera seca rapidamente, o que impede o armazenamento e permite pintar apenas pequenas áreas por vez. O óleo, por outro lado, seca lentamente, permitindo o artista trabalhar horas em cima da obra e ter um melhor domínio da mistura de cores.

Mergulhando na obra 🏠

As camadas de tinta cuidadosamente construídas e o os detalhes trabalhados com pinceladas finas, proporcionaram ao Retrato do Casal Arnolfini uma sensação de objetos táteis e tridimensionais. O realismo buscado pode ser percebido na obra, pintada em uma tábua de madeira de 82.2 × 60cm.

A pintura é impressiona pela vasta quantidade de informações, que contribuem para a narrativa visual. O figurino, por exemplo, é um elemento de destaque no quadro.

A famosa vestimenta verde da figura feminina, acompanhada de uma touca de linho branco, destacam seu status social. Outros itens do ambiente, como o lustre, impressionantemente adornado e refletido em diferentes ângulos à luz da janela, confirmam a prosperidade dos Arnolfini.

Em cada detalhe da sala, percebe-se a habilidade quase fotográfica de van Eyck. A superfície de madeira do chão é cuidadosamente delineada, o manto escuro do homem possui borda de pele, um pedaço de tapete de tecido pode ser visto.

O tempo de secagem da tinta permitiu a mistura precisa de cores. Sua qualidade brilhante concebeu feixes de iluminação naturalista.

O espelho ao fundo é o ponto focal da composição. Na cena pintada em apenas 5,5 x 5,5cm, van Eyck revela a presença de mais pessoas na cena - uma delas seria o próprio artista - olhando a partir da mesma posição do espectador da pintura.

Um enigma pictórico 🤔

A obra é repleta de simbolismo e, como tal, tem sido objeto de distintas abordagens. O alemão Erwin Panofsky, um dos mais influentes historiadores da arte do século XX, propôs que a pintura era um documento de matrimônio, destacando elementos como as mãos dadas do casal e o cão, símbolo de fidelidade.

Panofsky viu a obra como um tipo de certidão de casamento visual, com van Eyck atuando como testemunha. No entanto, outros críticos desafiaram essa visão.

Alguns sugerem que a pintura poderia ser um memorial para a esposa de Arnolfini, que morreu em 1433, um ano antes da pintura ser concluída. Detalhes como a ausência de vela acesa do lado dela e o possível uso de roupas de luto pelo homem suportam essa teoria.

Além disso, o cão também pode ser visto como um acompanhante na morte, um tema comum em túmulos e efígies da época. Questões também cercam se a mulher na imagem está ou não grávida.

A explicação mais provável é bastante simples: um estômago arredondado era considerado belo na Flandres do século XV. Além disso, era comum o uso de mais de uma camada de roupa e vestidos avolumados, o que conferia uma silhueta ampliada às mulheres retratadas.

A inclusão de elementos religiosos, traz mais camadas para a obra. A Paixão de Cristo representada ao redor do espelho, adiciona piedade e devoção. A representação contempla não apenas a riqueza e o gosto de seus sujeitos, mas também seus princípios morais.

Certo é que o Retrato do Casal Arnolfini está repleto de detalhes que possuem significado literal e simbólico, outros comumente citados são:

🍊 Laranjas: por serem encomendadas de lugares distantes, as laranjas eram frutas caras que indicavam riqueza, mas também podem ser um sinal de pureza;

🕯️ Vela acesa: como um indício da presença onisciente de Deus e da fé cristã;

🛏️ Santa Margarida: padroeira das mulheres grávidas, estaria esculpida no topo do poste da cama;

🔴 Vermelho: presente no quarto, sobretudo na cama, como símbolo de fertilidade;

👞 Sapatos descalços: os sapatos fora dos pés do casal remetem a passagem bíblica tira as sandálias dos teus pés, porque o lugar em que estás é terra santa (Êxodo 3:5).

Fruto de intensos debates acadêmicos e populares, o rico quarto mobiliado dispõe de enigmas que dão muito pano para a manga. Como vimos, nosso artista explora todas as propriedades da tinta a óleo para evocar uma sensação de espaço realista, em uma composição rigidamente controlada.

Se você se envolveu com o estilo e os debates da pintura de van Eyck, não perca a oportunidade de continuar explorando as fascinantes histórias e referências que a PIRA27 traz para você. Inscreva-se e acompanhe nossas próximas edições!

Caso já seja inscrito, considere divulgar :)

Fiquem conosco e vamos além!

Imagine-se caminhando pelas ruas vazias de uma cidade ao entardecer, onde sombra e luz se unem para criar uma paisagem quase cinematográfica. Este é o universo de Edward Hopper (1882-1967), um dos grandes pintores do realismo americano.

Nascido no estado de Nova York, Hopper capturou como ninguém a essência da solidão e da introspecção urbana. Ele transformou cenas cotidianas em profundos estudos psicológicos e emocionais, revelando a beleza escondida nas rotinas mais comuns.

Hopper iniciou sua jornada artística no New York Institute of Art and Design, onde começou a desenvolver seu estilo. Em 1905, começou a trabalhar meio período em uma agência de publicidade, projetando capas para revistas especializadas.

Sua persistência como artista independente foi recompensada quando vendeu sua primeira obra aos 31 anos, marcando o início de uma carreira prolífica que o levaria a criar uma das mais importantes pinturas da arte americana: Nighthawks.

Do giz ao pincel 🤔

O ano era 1942 e o mundo estava imerso na Segunda Guerra Mundial. Enquanto seu país permanecia aflito com as notícias do ataque japonês à base naval americana de Pearl Harbor, Hopper realizava seus primeiros esboços daquela que viria a ser sua obra de maior sucesso.

Cada personagem, assim como a composição do cenário, foi pensado em muitos estudos preparatórios. Hopper esboçou diversas configurações para a cena, desde os efeitos das luzes, até as atitudes dos personagens.

Com um giz e uma caderneta em mãos, ele foi até uma lanchonete e captou um homem sentado em frente ao balcão. Observou como a luz batia em seu terno e como seu corpo pressionava a bancada. Em outro estudo, ele elaborou versões para a posição da mão da mulher.

No desenho final, o casal retratado se vira um para o outro com intimidade e o balconista se curva olhando para baixo. Ao pintar, Hopper fez o casal olhar para frente, como se imersos em devaneios distintos.

As mãos do casal também surgem na obra final, se tornando o ponto de maior proximidade entre eles, ao quase se tocar. O balconista, por sua vez, inclina a cabeça para cima, com um olhar que não se conecta com os outros.

Essas mudanças enfatizam o isolamento emocional dos personagens.

Outra alteração para a tela à óleo ocorre na perspectiva. Hopper levemente abre a cena, expondo mais o teto, o topo dos bancos e a bancada contínua que ultrapassa os personagens retratados.

Tour pela obra 👨‍🎨

O resultado de tanta preparação foi uma pintura icônica com uma atmosfera melancólica. Nighthawks (falcões noturnos, em português) retrata uma esquina quase vazia, frequentado por dois homens e uma mulher, além de um funcionário.

Cada um tem uma xícara de café, combustível para enfrentar a noite, cuja presença é denunciada pela iluminação do local. Um intenso brilho de luz emana das janelas para a rua.

A cafeteria preenche dois terços da pintura. A fachada nova-iorquina em estilo Art Déco não apresenta para o espectador uma porta de saída. A apreensão é acentuada pela fileira de lojas à esquerda, que age como barreira para manter a tensão dentro da moldura.

A sensação de incerteza e solidão invadem a cena.

Simplifiquei bastante a cena e tornei o restaurante maior. Inconscientemente, provavelmente, eu estava pintando a solidão de uma grande cidade. - Edward Hopper

Ressurgimento emocional 📱

Nighthawks foi comprada pelo Art Institute of Chicago, logo após sua conclusão, e rapidamente ganhou notoriedade. A pintura é frequentemente invocada como um comentário sobre a modernidade e solidão em ambientes urbanos.

A tensão psicológica transmitida por ela foi revivida recentemente durante a pandemia de Covid-19. O isolamento que as pinturas de Hopper capturam tão bem acabou por atingir muitos de nós.

Em decorrência desse período, a ARTECHOUSE, uma empresa que mistura arte e tecnologia, criou uma exposição imersiva chamada NHKS4220 Bar Illusion. Nela os visitantes podiam interagir com os hologramas da instalação e ver sua silhueta integrada a cena de Nighthawks. Os artistas disseram que viram um paralelo entre o mundo da pintura - a ansiedade e apreensão da Segunda Guerra Mundial - e o nosso.

Assim como os personagens de Nighthawks, muitos de nós já experimentamos momentos de introspecção em meio ao caos urbano. A capacidade de Hopper de transformar a rotina em algo emotivo e universal é o que torna sua obra atemporal.

A primeira viagem da PIRA27 se encerra aqui, mas nosso percurso está apenas começando. Prepare-se para mais descobertas incríveis e novas perspectivas nas próximas edições. Até a próxima!