Não me interessa aqui eleger os melhores filmes nem discutir craft, fotografia ou métricas de engajamento. O que me atravessou ao assistir às campanhas deste ano foi outra coisa: o contraste. O quanto, comparativamente, temos sido pouco corajosos no Brasil.

Quando um artista como Bad Bunny se posiciona para milhões de pessoas em defesa dos latinos, com inteligência e sensibilidade, é fácil sentir que estamos representados. Mas representação não é coragem emprestada. Não é porque a ousadia aparece na tela que ela nos pertence. O Brasil parece confortável na reprodução de padrões já validados, formatos previamente aprovados e discursos que já passaram pelo crivo da aceitação pública. Arriscamos pouco para não desagradar e, nesse movimento, raramente avançamos.

Os comerciais do Super Bowl, historicamente mais exagerados e grandiosos do que a média, não são apenas barulhentos. São decididos. Há coragem em contar histórias com começo, meio e fim. Coragem em assumir o humor absurdo. Coragem em escalar personalidades controversas. Coragem em investir em superproduções que não pedem desculpa por existir. Coragem em alfinetar, em exagerar, em declarar amor ao próprio país sem medo do ridículo. Pode-se gostar ou não do resultado, mas dificilmente se pode acusá-los de covardia.

Aqui, justificamos nossa timidez com orçamento, legislação ou com as normas do CONAR. É verdade que existem limites. Mas limite não é sinônimo de apatia. O Brasil é um país afetuoso, barulhento, criativo, visualmente potente. Ou ao menos gosta de se definir assim. No entanto, nossas campanhas muitas vezes parecem anestesiadas, excessivamente preocupadas em não errar.

Há exceções. A boa ideia do Canva em GraciOvos, o anti-marketing de TRESemmé com Sabrina Sato e Maria Bethânia, o charme do Cara do Molho de Pomarola com Chay Suede. São lampejos que mostram que sabemos fazer. Mas no conjunto ainda predominam fórmulas recicladas e discursos previsíveis. Talvez exista medo da rejeição. Talvez exista medo do cancelamento. Talvez exista uma sociedade que se declara diversa, mas que tolera apenas os próprios padrões.

Parte da responsabilidade é nossa, criativos. Parte é dos anunciantes. Parte é do público que reage com fúria a qualquer fricção. Mas enquanto continuarmos terceirizando a culpa, continuaremos produzindo peças corretas, bem-acabadas e irrelevantes.

A pergunta que fica não é se temos verba suficiente para fazer um Super Bowl brasileiro. É se temos disposição para arriscar desconforto. Coragem não é orçamento. É escolha. E talvez esteja aí o ponto. Nossa indústria aprendeu a ser eficiente. Falta reaprender a ser valente.

Seguindo no Super Bowl, abaixo listo alguns dos comerciais exibidos nesta edição que merecem atenção. Assista com calma. Depois, pense no que eles tiveram coragem de fazer — e no que ainda evitamos por aqui.

Squarespace (Unavailable) 💻

Transforma um problema de identidade digital (não conseguir comprar o domínio .com com seu nome) em narrativa cinematográfica, com atuação da estrela Emma Stone, direção de Yorgos Lanthimos e humor sutil. A tentativa de comprar um domínio vira protagonista com ansiedade e frustração como combustível criativo — nada óbvio.

Pepsi (The Choice) 🐻‍❄️

Usar os ursos polares ligados à rival Coca-Cola em uma comparação cega é uma provocação direta. Não é apenas humor, é desafiar um ícone cultural e reposicionar a marca no imaginário coletivo de forma audaciosa. Ousadia maior, impossível!

Anthropic (Claude) 🧠

Colocar a própria tecnologia (e uma provocação à indústria de IA, em especial ao concorrente ChatGPT OpenAI) no centro da narrativa, com humor autorreferente, é um ato de coragem na comunicação de tecnologia: não se esconde atrás de jargões, e encara o debate sobre anúncios e propósito de produto de frente.

Coinbase (Everybody Coinbase) 🪙

No seu retorno ao Super Bowl, a Coinbase trocou o comercial tradicional por um karaokê coletivo ao som de “Everybody (Backstreet’s Back)”, dos Backstreet Boys, transformando o intervalo em um sing-along que convida o público a participar em vez de apenas assistir. A ousadia está na simplificação radical: em vez de didatizar o universo cripto, a peça aposta na nostalgia e na repetição da letra na tela para construir pertencimento. Não explica. Convoca. E, ao fazer isso, posiciona a marca como algo que é de todos — ou que pretende ser.

Levi's (Backstory) 👖

A Levi’s conta a história do jeans focando exclusivamente nas costas e transforma uma parte específica da anatomia em linguagem de marca. O resultado é quase hipnótico. É sensual sem apelar, confiante sem exagero.

Manscaped (Hair Ballad) 🧶

A Manscaped transforma um tema íntimo em número musical. Em vez de esconder o constrangimento, coreografa. A balada sobre pelos assume o exagero, brinca com a estética romântica e leva o assunto para o centro do palco. A ousadia está em tratar o cuidado masculino sem metáfora elegante, mas também sem vulgaridade gratuita. É humor performático que poderia cair no ridículo, e justamente por isso chama atenção. A marca sustenta porque entende que sua força está em falar o que outros evitam.

ai.com (Introducing ai.com) 🚀

Usar os nomes de líderes como Sam Altman, Mark Zuckerberg e Elon Musk como parte do conceito é provocação calculada. É quase meta-publicidade. A coragem está em brincar com poder e autoridade no centro do debate tecnológico.

TurboTax (The Expert) 💰

Escalar Adrien Brody para ironizar a ideia é inteligente. A marca transforma burocracia, neste caso de declarar o imposto de renda, em performance dramática e sarcástica ao contrastar com um ator que carrega uma reputação de levar seu trabalho a sério demais. O risco está em sofisticar demais uma categoria que vive de simplicidade. Sustenta porque entende o próprio tom.

Liquid Death Energy Drink (Exploding Heads) 💦

Aqui não há sutileza. Cabeças explodem literalmente para vender energético. É exagero como linguagem, choque como estratégia e ruído como assinatura. A marca entende que seu território é o absurdo performático. Pode afastar parte do público, mas jamais passa despercebida. Não busca aprovação universal. Busca intensidade.

Novartis (Relax your tight end) 🧘🏾‍♂️

Usar um trocadilho escancarado no maior evento esportivo do mundo já é, por si, uma escolha arriscada. A campanha convoca tight ends reais da NFL, como Rob Gronkowski e George Kittle, e os coloca em situações relaxantes enquanto fala, indiretamente, sobre prevenção ao câncer de próstata. A graça está no desconforto controlado. É uma construção longa para sustentar um duplo sentido grosseiro, mas o faz com autoconsciência.

“Tight end” é posição do futebol americano e, ao mesmo tempo, como alusão a “extremidade apertada” — uma referência implícita ao ânus, sugerindo que fazer o exame de próstata permite “relaxar” essa outra leitura da expressão)

Budweiser (American Icons) 🍻

Reforçar símbolos nacionais e narrativa histórica em um contexto tomado pelo humor é coragem estilística: não é apenas ser engraçado, é ser simbólico e aspiracional sem escapatória fácil, mantendo-se fiel a sua narrativa como marca.

Pringles (Pringleleo) 💑🏼

Sabrina Carpenter constrói seu “homem ideal” com batatas e cria o Pringleleo, brincando com o arquétipo do galã inalcançável. A ideia é inteligente porque ironiza a idolatria de celebridades e esteriótipos masculinos.

Lay’s (Last Harvest) 🥔

Escolher uma história de origem real, com vínculo afetivo entre gerações e lugar de produção, é menos choque e mais coragem emotiva — arriscar profundidade num intervalo que costuma privilegiar humor absoluto.

Liquid I.V. (Take A Look) 🚽

Ao transformar a desidratação em espetáculo musical dentro de um banheiro, a marca assume um território que a maioria evitaria. A escolha de usar vasos “cantando” enquanto ensinam o público a observar a própria urina é desconfortável por definição, e exatamente aí reside a coragem. O tema poderia ser tratado de forma técnica ou asséptica, mas opta-se pelo humor explícito, quase constrangedor, para garantir atenção e retenção. É um risco calculado: educar sem parecer aula, provocar sem perder simpatia.

Dove (The Game is Ours) 👑

Ao trazer um dado social (queda de participação de meninas no esporte) e vincular ao produto, a campanha não evita um tema espinhoso. Coragem socialmente relevante, não apenas entretenimento.

Jeep Cherokee (Billy Bass Goes To The River) 🐠

A Jeep transforma o Big Mouth Billy Bass, ícone kitsch dos anos 2000, em protagonista de uma história sobre liberdade. O peixe que antes cantava preso à parede ganha estrada, movimento e propósito. A ousadia está em assumir o brega e ressignificá-lo. Em vez do épico previsível, escolhe o improvável como símbolo de liberdade. É risco cultural consciente e sustentado até o fim.

Neste ano, a marca optou por não anunciar diretamente no Super Bowl, preferindo lançar esta história mais longa nas semanas que antecederam o jogo, no formato de um “Big Game Ad” que circula online em vez de no intervalo tradicional.

DoorDash (50 Cent) 🎤

A DoorDash lançou um filme com 50 Cent dias antes do Super Bowl e deixou que a internet assumisse que era um “Super Bowl Ad”. Não era. Nunca foi planejado para o intervalo oficial.

A ousadia está justamente aí. Enquanto marcas disputam segundos caríssimos na TV linear, a DoorDash decidiu investir tudo na segunda tela. Se o público estratégico é Gen-Z — e a Gen-Z vive no celular durante o jogo — faz mais sentido dominar o feed do que o break comercial. É uma provocação silenciosa ao próprio modelo do Super Bowl. A pergunta não é se o anúncio é bom. É se ainda precisamos do intervalo mais caro do mundo para gerar relevância cultural.

Nos últimos meses, li pesquisadores, artigos e estudos sobre comportamento, economia, cultura e mercado. Ler o jornal diariamente e observar o mundo também fazem parte desse exercício. O recorte aqui não é estético, mas comportamental. O foco não está no que surge como novidade, e sim no que tende a ganhar força ou se consolidar ao longo do ano.

De modo geral, o que emerge não aponta para o novo, mas para uma reorganização do que foi tensionado até o limite.

Evito citar fontes específicas porque estas leituras não nascem de um único ponto focal, mas de uma soma de olhares, análises e observações feitas por muitas pessoas antes de mim.

1. Imperfeição como evidência de humanidade ✏️

À medida que as inteligências artificiais produzem resultados tecnicamente impecáveis, o suposto “erro visível” passa a funcionar como prova de autoria. A imperfeição deixa de ser falha e passa a ser linguagem. Não como estética forçada, mas como consequência natural de processos humanos reais.

O "made by human” ganha valor justamente por carregar marcas do tempo, do gesto e do limite humano. Aqui entra o conceito de wabi-sabi, uma visão estética e filosófica japonesa que valoriza o imperfeito, o incompleto e o transitório. O wabi-sabi não busca corrigir o erro, mas reconhecê-lo como parte da beleza. Em um mundo de perfeição artificial e repetível, o imperfeito passa a ser sinal de verdade, presença e autoria.

2. Coerência substitui o discurso 👀

Depois de anos em que propósito virou linguagem ornamental, a fratura entre discurso e prática se tornou evidente. Narrativas bonitas, mas vazias de evidência, perderam força. Marcas, organizações e indivíduos que sustentaram discursos sem lastro passam a ser lidos com desconfiança.

Coerência deixa de ser atributo aspiracional e se torna critério básico de legitimidade. O que não se sustenta na prática perde valor simbólico rapidamente. Não é mais sobre o que se diz, mas sobre o que se sustenta ao longo do tempo.

3. Ser atleta é o novo normal 🏃🏽‍♂️

O crescimento do esporte e do estilo de vida associado a ele vai além da saúde. Responde a uma necessidade de reconexão física em um mundo excessivamente mediado por telas. O corpo deixa de ser apenas imagem e volta a ser experiência.

Treinar, correr, suar e sentir tornam-se contrapontos diretos à abstração digital. Os hábitos da vida de um atleta, como disciplina, rotina, alimentação e descanso, passam a integrar o cotidiano de quem busca viver mais e melhor. A Copa do Mundo e o fortalecimento de outros esportes ajudam a amplificar esse imaginário.

4. Revalorização dos sentidos não visuais 👋🏽

O predomínio da imagem gera cansaço perceptivo e dificulta distinguir o que é real do que é artificial. Experiências táteis, sonoras e espaciais ganham relevância justamente por escaparem da lógica da reprodução infinita.

O corpo inteiro volta a ser acionado como critério de verdade. Tocar, ouvir, sentir peso, textura e temperatura passa a ser uma forma de validar o que é real em um ambiente saturado de simulações.

5. Chancela de volta 🎖️

Em um ambiente saturado de informação, o valor deixa de estar no acesso e passa a estar na responsabilidade. Quando todos podem falar, quem assina assume risco. Chancelar deixa de ser vaidade e passa a ser compromisso público.

Autoridade deixa de ser construída por volume ou frequência e passa a ser sustentada por trajetória, repertório e consistência histórica. Por isso, veículos de comunicação, consultorias, autores, pesquisadores e estudiosos tendem a ganhar ainda mais valor.

6. Tempo é o novo luxo ⏰

A última década transformou produtividade em virtude moral. Estar ocupado virou sinônimo de valor, enquanto o cansaço passou a ser normalizado e, em muitos casos, celebrado. O resultado é um esgotamento generalizado, físico e mental, que deixou de ser exceção e se tornou regra.

Em 2026, o tempo deixa de ser tratado como algo a ser otimizado e passa a ser defendido como algo a ser preservado. Se, conceitualmente, o tempo é a única coisa que não pode ser comprada, o mercado de luxo percebeu que, para continuar relevante, precisava deslocar seu foco. Não basta oferecer objetos ou status. É preciso oferecer margem, autonomia e escolha. Ter controle sobre a própria agenda passa a ser símbolo claro de privilégio.

7. Reabilitação da fricção 🧩

Durante anos, design e comunicação buscaram eliminar qualquer forma de atrito. O resultado foi uma homogeneização estética e simbólica. Em 2026, a fricção retorna como elemento de identidade.

Ambientes menos lisos, produções mais complexas, objetos com textura e processos menos imediatos ganham valor. Onde há resistência, há singularidade. Onde tudo é fácil demais, nada permanece.

8. Local como afirmação, não como nostalgia 🌎

Em um cenário geopolítico instável e culturalmente tensionado, a valorização do local surge como mecanismo de afirmação identitária. Não é fechamento, mas enraizamento.

Esse movimento se intensifica em um mundo cada vez mais próximo do chamado G-Zero. O termo, cunhado por Ian Bremmer, descreve um cenário global sem uma superpotência dominante capaz de liderar ou coordenar respostas coletivas. Estados Unidos, China e outras potências priorizam interesses internos, gerando fragmentação, instabilidade e baixa cooperação internacional.

Nesse contexto, países, regiões e cidades sentem a necessidade de se afirmar cultural, política e simbolicamente. Origem deixa de ser detalhe estético e passa a ser posicionamento.

9. Regeneração emocional 🥹

Não se trata mais de autocuidado como hábito individual, mas de regeneração como necessidade estrutural. Ambientes, produtos, conteúdos e experiências passam a ser avaliados pela capacidade de reduzir carga mental e emocional.

A lógica do estímulo constante dá lugar à contenção, ao silêncio e ao cuidado. Não é fuga do mundo, mas uma tentativa consciente de permanecer nele sem colapsar.

10. Deslocamento da IA para a infraestrutura 💻

A inteligência artificial perde o caráter performático e passa a operar de forma mais silenciosa e estrutural. O valor não está em mostrar que se usa IA, mas em integrá-la profundamente aos processos.

A IA deixa de ser espetáculo e volta a ser ferramenta. Invisível, mas decisiva para eficiência, escala e profundidade.

11. Resposta à saturação informacional 🫨

O problema não é mais acesso à informação, mas excesso dela. Valor passa a ser atribuído a quem consegue organizar, contextualizar e interpretar sem simplificar demais.

Leitura de mundo vira ativo. Curadoria consistente substitui volume. Entender passa a valer mais do que informar.

12. Ascensão da estética latina como linguagem cultural 🎊

Mais do que uma questão geográfica, trata-se de um deslocamento simbólico. Corpo, emoção, cor, contraste e imperfeição ganham espaço em um cenário antes dominado pela neutralidade.

Com a Europa enfraquecida e os Estados Unidos em crise de liderança, a América Latina passa a ocupar um lugar de destaque global, especialmente no campo estético e cultural. Não é moda, é reposicionamento.

13. Reconfiguração das comunidades 🫂

O desgaste das grandes redes e da lógica de alcance infinito abre espaço para comunidades menores, mais locais e mais comprometidas. Comunidade deixa de ser audiência e volta a ser relação.

Esse movimento se fortalece especialmente a partir dos encontros presenciais. Jantares, clubes, corridas em grupo, eventos pequenos e rodas de conversa ganham ainda mais valor justamente por exigirem presença, tempo e envolvimento real. Menos gente, mais troca. Menos alcance, mais densidade.

14. Consumo repensado 💰

A lógica da substituição constante perde força diante de crises ambientais, econômicas e simbólicas. Valor passa a ser associado à durabilidade, manutenção e relação continuada.

Consumir deixa de ser ato isolado e passa a ser vínculo. Menos consumo orientado por microtendências e mais por aquilo que atravessa o tempo.

15. Marcas que conversam 💬

Mais do que nunca, 2026 exigirá que as marcas consigam sustentar conversas reais com as pessoas. Não se trata apenas de emitir mensagens, mas de participar das discussões culturais, sociais e simbólicas do seu tempo.

Esse movimento se manifesta nas mídias, no presencial e nas campanhas globalizadas. Comentários deixam de ser apêndice e passam a ser extensão do conteúdo. Muitas vezes, tornam-se o próprio conteúdo. É nesse espaço que a marca se mostra mais humana, mais próxima e menos institucional. Conversar deixa de ser risco e passa a ser requisito.

Se você chegou até aqui, obrigado pela companhia.

Poderiam existir muitas outras leituras possíveis. O mundo oferece sinais demais para qualquer tentativa de síntese definitiva. As que aparecem aqui são aquelas que se mostram mais consistentes, menos reativas e mais conectadas com movimentos estruturais já em curso. São leituras do presente levadas às últimas consequências. Ignorar esses movimentos, neste momento, já não parece uma opção.

#10: La Lecture (Marie-Thérèse) (1932), Pablo Picasso 💭

Origem do artista? Espanha 🇪🇸
Valor da venda? $45,485,000 💰

La Lecture (Marie-Thérèse) mostra a jovem leitora em repouso, captada em um instante íntimo de concentração. O quadro combina ecos do cubismo com uma linguagem mais suave e curvilínea, típica da fase em que Picasso explora volumes simples, linhas claras e um clima de quietude. É uma obra que traduz a procura de Picasso por novas maneiras de representar o afeto e a intimidade cotidiana.

A pintura foi produzida no Château de Boisgeloup, propriedade do artista na Normandia que serviu como estúdio entre 1930 e 1936. Vendida em novembro de 2025, teve oito donos anteriores. Sua última presença no mercado havia sido em 1985, quando os donos antigos adquiriram em uma galeria em Nova York.

#09: Nymphéas (1907), de Claude Monet 🪷

Origem do artista? França 🇫🇷
Valor da venda? $45,485,000 💰

Nesta pintura da série Nymphéas, Monet transforma o lago de seu jardim em Giverny em um quadro quase abstrato de cor e luz. Pequenas flores flutuam sobre tons de verde e azul que se dissolvem suavemente, enquanto o reflexo do céu na água cria uma sensação de profundidade sem horizonte definido. É um estudo poético sobre natureza e a experiência sensorial da paisagem.

A pintura tem uma trajetória curiosa. Entre Paris e Nova York, pertenceu a distintas galerias, colecionadores privados e a um hotel da capital francesa. Foi colocada à venda em novembro de 2025 pelo Kawamura Memorial DIC Museum of Art, museu localizado no Japão que tinha a obra desde 1985.

#08: Composition with Large Red Plane, Bluish Gray, Yellow, Black and Blue (1922), de Piet Mondrian 📐

Origem do artista? Holanda 🇳🇱
Valor da venda? $47,560,000 💰

Mondrian radicaliza sua busca por uma linguagem visual pura, estruturada por linhas negras retas que delimitam campos cromáticos planos. O grande quadrado vermelho domina a composição, equilibrado pelos retângulos menores. O rigor geométrico convive com uma tensão sutil entre ordem e ritmo, como se a tela fosse um organismo feito de relações precisas. A pintura sintetiza o ideal neoplasticista: reduzir o mundo a formas essenciais e universais, criando uma harmonia abstrata.

Adquirida diretamente de Mondrian pelo poeta holandês Anthony Kok, foi posteriormente vendida ao geólogo francês Henri-Georges Doll. Vendida em maio de 2025, a obra incorporava a coleção do casal Leonard e Louise Riggio desde 2000. Com o falecimento do marido em 2024, Louise optou pelo leilão.

#07: Crowns (Peso Neto) (1981), Jean-Michel Basquiat 👑

Origem do artista? EUA 🇺🇸
Valor da venda? $48,335,000 💰

Em Crowns (Peso Neto), Basquiat transforma sua recorrente coroa em marca de identidade. A obra combina texto, traços rápidos e figuras esboçadas, evocando tanto o grafite das ruas quanto referências à história da arte e da cultura negra. As coroas soam ao mesmo tempo lúdicas e combativas. O resultado é uma pintura pulsante, que traduz a urgência e a energia crua da época em que foi criada.

A obra foi leiloada em novembro de 2025, em Nova York. O comprador foi um colecionador asiático anônimo que fez a oferta por telefone. Entre os donos anteriores ao longo dos anos, destaca-se Thomas Worrell, um importante apoiador precoce de Basquiat.

#06: El sueño (La cama) (1940), de Frida Kahlo 🛏️

Origem do artista? México 🇲🇽
Valor da venda? $54,660,000 💰

Frida Kahlo cria uma cena onírica em sua cama, espaço de repouso e também de vulnerabilidade. A artista mistura realidade e fantasia, produzindo uma imagem delicada e intensa. As figuras e objetos parecem carregados de significado íntimo, como fragmentos de um diário visual. A pintura reafirma a forma singular com que Kahlo transforma sua experiência em uma narrativa fortemente emocional.

Foi vendida em novembro de 2025, estabelecendo um novo recorde para uma obra de arte de uma artista mulher e para um trabalho latino‑americano. A pintura pertencia ao casal Nesuhi e Selma Ertegun. Nascido em Istambul e falecido em 1989, Nesuhi foi um produtor de jazz de enorme sucesso. Foi próximo de Vinícius de Moraes e um dos fundadores do New York Cosmos, time que Pelé jogou. Selma nasceu no Brasil e, até sua morte em 2024, foi a proprietária única da coleção que formou com o marido.

#05: No. 31 (Yellow Stripe) (1958), de Mark Rothko 🟨

Origem do artista? Letônia/EUA 🇺🇸
Valor da venda? $62,160,000 💰

Nesta obra, Rothko trabalha com grandes campos de cor suavemente esfumados, criando uma atmosfera contemplativa onde um amplo campo escuro é atravessado por uma faixa amarela luminosa. A simplicidade formal esconde uma certa carga emocional e as bordas indefinidas fazem as cores parecerem vibrar ou respirar. Como em outras obras de sua fase madura, não há narrativa, apenas a experiência direta do olhar diante de uma presença cromática quase espiritual.

Entre galerias e colecionadores, a propriedade da pintura passou por oito distintos donos. Entrou em leilão em novembro de 2025, como parte da coleção de Robert e Patricia Ross Weis, falecidos em 2015 e 2024, respectivamente. Anteriormente, o casal havia adquirido a obra em uma galeria de Nova York, em 1995.

#04: Piles de romans parisiens et roses dans une verre (Romans parisiens) (1887), de Vincent van Gogh 📚

Origem do artista? Holanda 🇳🇱
Valor da venda? $62,710,000 💰

Van Gogh transforma uma simples natureza-morta — pilhas de romances parisienses e um copo com rosas — em um estudo vibrante de cor e textura. Os livros, pintados em tons quentes e variados, sugerem uma vida intelectual intensa, enquanto as rosas delicadas trazem um contraponto poético. As pinceladas curtas e energéticas dão dinamismo ao conjunto, revelando o olhar atento do artista aos pequenos detalhes da vida cotidiana.

A tela teve como primeiro proprietário Theo van Gogh, irmão de Vincent, e seguiu com alguns herdeiros da família nos anos seguintes. Mais tarde, chegou a pertencer ao pintor italiano Antonio Mancini e passou por galerias na França e na Suíça. Antes da recente venda, em novembro de 2025, pertencia ao casal Cindy e Jay Pritzker, cofundadores do Prêmio Pritzker, mais alta honraria de arquitetura. Em 1994, eles haviam comprado a obra de Robert Holmes à Court, o primeiro bilionário da Australia.

#03: Forest Slope in Unterach on the Attersee (1916), de Gustav Klimt 🥉

Origem do artista? Austria 🇦🇹
Valor da venda? $68,320,000 💰

Nesta paisagem, Klimt abandona a figura humana para explorar a densidade estética da natureza. O declive arborizado é construído por uma trama de pontos e manchas de cor que, de longe, se organizam em um padrão quase têxtil. A floresta nos remete a um mosaico, onde cada folha e cada tronco contribuem para uma superfície rica e ornamental.

A obra pertencia a Leonard A. Lauder, herdeiro da multinacional de cosméticos Estée Lauder Companies, dona de marcas como MAC e Tom Ford Beauty. Lauder adquiriu a obra em 1972. Antes de chegar a ele, nunca havia sido vendida. Teve como primeiro dono o artista Heinrich Böhler e seguiu com seus herdeiros. Lauder morreu em julho de 2025 e o leilão da tela ocorreu em novembro.

#02: Blooming Meadow (1908), de Gustav Klimt 🥈

Origem do artista? Austria 🇦🇹
Valor da venda? $86,000,000 💰

Em Blooming Meadow, um campo de flores ocupa toda a superfície da tela, criando um tapete colorido que dissolve a distinção entre figura e fundo. Klimt organiza o prado em pequenos pontos e formas florais, aproximando sua pintura de um padrão decorativo, mas sem perder a sensação de profundidade e de luz. O resultado é um híbrido entre paisagem e ornamento, no qual a natureza se apresenta como uma celebração cromática.

Também parte da coleção de Leonard A. Lauder, a obra pertenceu inicialmente à artista Broncia Koller-Pinell. Foi comprada por Lauder em uma galeria em Nova York em 1985 e vendida no mesmo leilão de novembro passado.

#01: Portrait of Elisabeth Lederer (1914), Gustav Klimt 🥇

Origem do artista? Austria 🇦🇹
Valor da venda? $236,360,000 💰

Este retrato de Elisabeth Lederer inspirado na arte asiática revela a elegância e a sensibilidade típicas dos retratos tardios de Klimt. A figura surge diante de um fundo decorativo que reforça a aura de refinamento da modelo. As roupas fluidas e os detalhes sutis do rosto criam um equilíbrio entre presença real e idealização. Klimt capta não apenas a aparência, mas também um certo estado de espírito, transformando o retrato em um objeto de contemplação estética.

A tela foi produzida originalmente para o casal August e Serena Lederer, pais de Elisabeth e fiéis patronos de Klimt. Perseguida pelos nazistas, a família teve a pintura saqueada pelo regime em 1938. Em 1948, três anos após a queda de Hitler, as autoridades de restituição conseguiram encontrar o retrato e devolver a Erich Lederer, irmão de Elisabeth. Ele vendeu para uma galeria de Nova York em 1983, dois anos antes de sua morte.

Assim como as anteriores, essa obra era propriedade de Leonard A. Lauder, comprada em 1985 na galeria nova-iorquina. Vendido em novembro de 2025, o retrato entrou para a história como a segunda maior venda de arte já realizada em um leilão e o maior lance já alcançado para uma arte moderna. O recorde geral fica com Salvator Mundi (1500), de Leonardo da Vinci, arrematada por US$ 450,3 milhões em 2017.

Quadro comparativo 📋

Confira o resumo com as dez obras de arte mais caras vendidas em 2025:

A montagem mistura teatro, quadrinhos e show musical. Um dos destaques é a participação do prolífico Zeca Baleiro, que assina a direção musical e estreia atuando onde esteve a carreira inteira como cantor. O elenco conta ainda com Martha Nowill, Eduardo Estrela, Luisa Micheletti, Raphael Gama, Willians Mezzacapa e a percussionista Layla Silva.

17h30 – Chegada e café: Chegamos ao Multipalco Eva Sopher meia hora antes do início da peça. Mesmo cedo, a movimentação já era intensa. Em meio a casais e amigos que por ali circulavam, observamos uma intensa presença de jovens entre os espectadores. Uma bela surpresa que indica renovação e diversificação de público.

Antes de qualquer cortina se abrir, aproveitamos para comer no July Pires Coffee & Bakery, café localizado ao lado do Teatro Simões Lopes Neto, dentro do complexo do Multipalco. Entre pães de queijo e uma Coca-Zero, o gasto individual foi de 21 reais.

17h45 – Rituais de aparição: Caminhando pelo foyer, vestidos antigos trajando manequins chamaram a nossa atenção. Curiosos que somos, fomos conferir. Tratava‑se da mostra Rituais de aparição: Ver e Ser Vista. Uma coleção de trajes de gala e objetos delicados que faziam parte dos códigos sociais de quem frequentava teatros entre os séculos XIX e início do XX. Uma exposição em collab o Museu de História Júlio de Castilhos.

17h55 – Primeira impressão: De volta à Felicidade e ao século XXI, faltando poucos minutos para o início, já estávamos acomodados em nossos lugares. Chegamos à plateia com muita facilidade e sem enfrentar nenhuma aglomeração na entrada. Uma entrada sem filas nem pressa.

Nossos ingressos eram na fila L, mas se engana quem pensa que a visão da 12ª letra do alfabeto deixaria a desejar. Localizada imediatamente após o corredor de entrada e a área destinada a cadeirantes, a posição surpreendeu pela ótima vista do palco.

Os assentos acolchoados reforçavam a sensação de conforto. Enquanto esperávamos sentados, uma sensação de névoa, possivelmente causada pela iluminação, pairava sobre o teatro. Efeito que nos capturou por alguns instantes.

18h00 – Felicidade em cena: Antes de subirem ao palco, uma projeção exibia os patrocinadores e os créditos iniciais da peça. A sequência de abertura do vídeo nos colocou no clima do que viria.

Três buzinas soam, silêncio na plateia, a peça vai começar. Enquanto a trama se desenvolve, elementos pop e reflexões surgem: em tempos de crescente depressão no Brasil, como seria se a felicidade desabasse sobre nós?

A resposta vem em forma de humor, música e estranhamento. O espetáculo contagia com atuações cômicas, canções originais e conhecidas, e um texto que, em alguns momentos, flerta com o humor neurótico e reflexivo de Woody Allen. O magnetismo de Zeca Baleiro é imediato em todas as suas aparições enigmáticas, enquanto nos divertimos com a jornada insólita da personagem de Martha Nowill. Mas sem spoilers por aqui.

19h30 – Aplausos: Uma salva de palmas toma conta da plateia praticamente lotada. Elenco e equipe retornam para agradecer. É a primeira exibição de Felicidade, que iniciou por Porto Alegre e deve circular o Brasil, contam os protagonistas. A estreia em São Paulo está marcada para o dia 7 de janeiro, no Teatro Sérgio Cardoso.

Saímos com a sensação de que o teatro ainda é esse lugar raro onde perguntas difíceis podem ser feitas com leveza. Onde rimos, nos reconhecemos e, por duas horas, esquecemos do lado de fora. Não é pouco. É, talvez, exatamente isso que chamamos de felicidade.

Desde 2023, essa função no Theatro São Pedro e no complexo do Multipalco Eva Sopher está sob a responsabilidade de Gabriela Munhoz, atriz e gestora cultural que hoje ocupa a direção artística da Fundação Teatro São Pedro.

Com formação em Artes Dramáticas, pós-graduação em Filosofia e atualmente mestranda em Artes Cênicas na UFRGS, Gabriela construiu uma trajetória que transita entre o palco e a administração pública. Está na Secretaria Estadual da Cultura há cinco anos, na qual passou pelo Instituto Estadual das Artes Cênicas (IEACEN) e pela direção do Teatro de Arena. Locais onde se aprofundou em políticas culturais, curadoria e produção.

À frente de um dos teatros mais simbólicos do Rio Grande do Sul e do Brasil, ela enfrenta o desafio de preservar uma casa com 167 anos de história enquanto impulsiona novas linguagens e públicos por meio do Multipalco Eva Sopher.

Nesta entrevista à PIRA27, Gabriela fala sobre sua trajetória, o equilíbrio entre arte e gestão e os bastidores de uma das instituições culturais mais importantes do país.

Você possui formação em Artes Dramáticas e mais de 20 anos de atuação no cenário cultural. Como essa experiência como atriz influencia sua forma de gerir e de fazer a curadoria?

💬 Cada vez mais eu acho que a minha carreira, que os meus modos de atuação estão muito interligados e conectados. E, mais do que isso, eles são complementares.

Quando eu era mais jovem, durante um tempo, eu achava que eu tinha que fazer escolhas, que esses modos de trabalhar eram incompatíveis. Ou eu era produtora, ou eu era gestora, ou eu era atriz, ou eu era curadora.

Hoje eu percebo diferente. Eu acredito, especialmente trabalhando com gestão de cultura pública, que os escopos se complementam, e que trabalhar com política pública, sendo atriz, tendo um corpo de artista, me auxilia a entender as demandas, as necessidades, as vivências mesmo, que são necessárias para o setor. Eu tenho lugar de fala, entendo que é diferente do que ter um burocrata na função, por exemplo.

Do mesmo modo a gestão me auxilia enquanto atriz, pois eu trabalho muito com observação. Então, viver tudo que eu vivo dentro da prática da gestão me acumula, me dá repertório para o meu trabalho artístico.

Você vem trabalhando há 15 anos na relação entre arte e cuidado de si. Como essa pesquisa dialoga com sua atuação na Fundação?

💬 A questão do cuidado de si, que é um conceito um tanto complexo de um filósofo chamado Foucault, é uma prática de vida, um olhar e um modo de pensar a vida, que eu investiguei e trabalhei em oficinas que eu dei durante alguns anos com profissionais de áreas diversas, que eu aproximava da arte. Eu gosto muito da filosofia, especialmente da área da filosofia da diferença, que é o segmento de estudos da minha mãe, pesquisadora, e essas leituras e estudos sempre me foram importantes para compreender e ou questionar o meu lugar, espaço, tempo no mundo, seja como artista, gestora, mulher.

Eu não acho que as coisas são dicotômicas: arte e vida, corpo e mente. Eu gosto de pensar nessa fusão, nessa simbiose entre o que a gente é e está, o nosso comportamento e o modo como nos relacionamos e vivemos, e a nossa prática profissional. Tudo nos constitui. Tudo é efêmero e misturado.

Quais são seus projetos atuais como atriz e como conciliar a paixão pela atuação como trabalho de gestora?

💬 Como atriz, hoje, eu tenho um espetáculo chamado Idade é um Sentimento, um texto inédito no Brasil que eu comprei de uma autora canadense, Haley McGee, com tradução de Diego Teza. É uma direção e encenação de Camila Bauer, direção de movimento de Carlota Albuquerque, com a multiartista Paola Kirst e eu em cena. É um espetáculo que a gente estreou tem um ano, e fizemos os principais festivais aqui do Rio Grande do Sul, fomos para o Rio de Janeiro, para São Paulo, fizemos uma turnê do Sesc no RS. Rolou muito bonito neste um ano.

Meu trabalho hoje como atriz está muito conectado a esse espetáculo, que é uma obra que é idealização e produção minha, junto de grandes parceiras, além de eu estar em cena como atriz. E o discurso do espetáculo está muito conectado ao meu discurso pessoal sobre questões que me importam muito neste tempo: pensar a passagem de tempo, os atravessamentos da condição de ser uma mulher no Brasil, relações que atravessam o trabalho, a maternidade, a maturidade, a finitude da vida.

E sim, existem muitas dificuldades. Dificuldades primeiro como atriz, que todas temos. Porque sim, fazer arte no Brasil é complexo, é trabalhoso, a gente não tem patrocínio nesse espetáculo.

Enquanto gestora eu tenho uma rotina intensa de trabalho diário e também tenho restrições na minha atuação como artista, que são restrições óbvias. Enquanto curadora é óbvio que eu não vou me pautar ou estar em instituições públicas do governo parceiras. Então, o meu campo de atuação fica mais reduzido do que qualquer artista que não está ocupando algum cargo desta natureza. E isso é natural que aconteça.

Eu acho que é um ato de resistência no Brasil a gente encarar ser artista e gestora simultaneamente. Mas temos que ocupar o sistema público, lutar pelo que acreditamos enquanto política para as artes, rasgar espaços e novos diálogos. Não é simples e fácil, mas eu acredito e essa é a minha causa.

Inclusive, algo bem atual na minha vida é que eu entrei no mestrado da UFRGS para investigar isso. O meu objeto, que eu começo a pesquisar agora, é justamente pensar sobre esse trânsito entre uma mulher artista e gestora pública. Todas as implicações e trânsitos disso. Aliás, porque há tão poucas mulheres-artistas-gestoras à frente desenvolvendo essa função de liderança no Brasil?

Desde que assumiu a direção artística em 2023, qual balanço você faz das conquistas e desafios enfrentados até aqui? Como é assumir a direção artística de uma instituição com um legado tão forte e presente na nossa cultura?

💬 Eu entrei na Secretaria de Estado da Cultura tem quase cinco anos. Eu fui diretora do Instituto Estadual das Artes Cênicas, do Teatro de Arena, e agora eu estou completando, exatamente agora, estou completando dois anos de Fundação Teatro São Pedro, como diretora artística aqui.

Eu tenho bastante orgulho da trajetória que eu venho construindo junto aos meus pares. Eu tive muita confiança da secretária Beatriz Araújo, ex-secretária atualmente, por quem eu tenho imensa admiração e respeito e foi quem confiou muito a mim essas responsabilidades. Junto do Antonio, presidente da Fundação, com quem trabalho diretamente. A possibilidade de desenvolver um pensamento curatorial que acredito, além de pensar formação, ocupação, desenvolver projetos e editais públicos, que é uma ferramenta que eu acredito muito, tanto no IEACEN (Instituto Estadual de Artes Cênicas), quanto no Teatro de Arena, e agora no Theatro São Pedro nesses dois anos, me é muito cara.

Tenho desenvolvido uma curadoria que busca a diversidade, a pluralidade, tanto de linguagens quanto de públicos, sempre atenta a questões importantes desse tempo, pautas que são necessárias da gente olhar. Questões de gênero, raça, preconceitos diversos, patriarcado. Trazendo memória, brasilidade. Dando oportunidade para grupos locais. Provocando e trazendo grupos de fora também.

Uma fundação, um complexo como esse que a gente tem hoje, o Multipalco Eva Sopher, não pode ser composto só de programação artística. Programação artística é um braço muito importante, mas a gente precisa de política pública, a gente precisa de formação, reflexão, ocupação efervescente, democrática e descentralizada. É um desafio grande, mas eu tenho bastante orgulho do que a gente tem conseguido entregar nesses anos de trabalho coletivo e aguerrido.

Como você vê a relação e a complementaridade entre o Theatro São Pedro histórico e o moderno complexo do Multipalco na oferta cultural para Porto Alegre e para o estado?

💬 O Theatro São Pedro é um espaço único, e isso é em relação a várias coisas. O Theatro São Pedro tem especificidades dele e uma trajetória de 167 anos que diz muito sobre a cultura do nosso estado. É impossível falar em arte e cultura no nosso estado sem referenciar o Theatro São Pedro.

O Complexo Multipalco, importante dizer que o Multipalco chama Eva Sopher, é um complexo muito atualizado a esse tempo. E nesse sentido, têm a multiplicidade de linguagens, o nosso interesse em trazer as coisas mais híbridas, menos dentro das caixinhas, ocupando espaços de modo diverso, plural, gerando oportunidades.

Acho que o Theatro São Pedro é um teatro, com tudo que isso implica, com todas as belezas que ele tem. E o Multipalco Eva Sopher vem num discurso mais amplo, mais múltiplo. Acho que o Multipalco vem num lugar de multiplicidade. E é assim que a gente tem trabalhado nos últimos tempos.

Para o público que talvez não entenda a fundo o processo, como funciona a curadoria? Quais são os primeiros passos quando se pensa em trazer um espetáculo ou evento para cá ou quando eles procuram o Multipalco?

💬 A primeira ação é entrar no site do Theatro São Pedro, têm os pedidos de pauta ali, e enviar qual é a produção, apresentar o projeto. O departamento da programação faz reuniões periódicas curatoriais, nas quais a gente analisa, olha para os projetos com todo cuidado e atenção.

Por isso é importante enviar o máximo de informações: trajetória, imagens, links de vídeo.

Hoje nós temos operado com alguns critérios, alguns parâmetros curatoriais, que, como eu havia dito, neste momento, estão bastante conectados a um discurso diverso, plural, conectado ao mundo de hoje.

Temos, também, operado com editais que olham para a singularidade da cena gaúcha. Para grupos com trajetória. Outros que estimulam mais a criação, artistas novos. Outro que fomenta grupos do interior do estado. Há uma preocupação em olhar para a cena como um todo, mas existe um pensamento curatorial que não é por ordem de chegada.

Ainda para o público leigo, quais são os detalhes ou curiosidades que eles talvez não percebam, mas que fazem toda a diferença na experiência de um espetáculo?

💬 A gente acredita que o teatro é uma ferramenta de transformação social. Então, quando a gente vai ao teatro, nós somos afetados pela obra e isso repercute na vida.

E isso não é sobre gostar ou não gostar de uma apresentação. O incômodo, a inquietação, e inclusive desgostar de uma obra, faz parte deste processo de afetação que a arte tem. Chamo atenção para isso: o público, de modo geral, vai ao teatro para se entreter, porém a potência da repercussão da arte em nós é muito maior que isso.

O Teatro Oficina Olga Reverbel, inaugurado em 2023, apresenta uma linguagem diferente do Teatro Simões Lopes Neto. Quais são as diferenças que você destacaria, até mesmo para a curadoria das peças destes diferentes espaços?

💬 O Teatro Oficina Olga Reverbel é um teatro com uma configuração diferente estruturalmente. É um espaço modulável, que tem possibilidades e alternativas em sua configuração. É um teatro menor do que o Simões, com uma capacidade de 130 pessoas e se caracteriza como uma caixa bastante intimista.

Temos operado sem taxa mínima fixa, isso faz com que os grupos que se apresentam ali, tenham menos riscos financeiros e mais possibilidade de viabilizar suas apresentações, especialmente para as produções que não têm patrocínio.

O Olga tem sido muito ocupado por grupos gaúchos. Há uma característica de descentralização de grupos e de públicos. Nós temos um edital que traz grupos de diversos municípios do RS, e a gente tem conseguido receber artistas mais iniciantes também, com projetos mais experimentais. Ou seja, há uma ocupação diferente entre os teatros, o que abrange mais artistas e maior pluralidade de públicos.

Quais são os espetáculos ou iniciativas que você mais destacaria na sua gestão até agora?

💬 A programação está bastante diversa. Há muito espaço para a cena local, com festivais e demais políticas de fomento para estimular a estada de grupos gaúchos nos teatros. Há, também, uma curadoria ativa nacional, que busca espetáculos da cena nacional e internacional que estão efervescentes, e que tenham discursos importantes para este tempo. Entendo que temos programação hoje para todas as idades, gostos, linguagens, dentro dos segmentos de teatro, dança, circo, música, ópera, literatura.

Na sua visão, o que precisamos para ampliar o acesso à cultura, buscando atrair novos públicos, como os jovens, ao teatro?

💬 Trabalhar a formação de plateia é algo complexo. Eu acho que a política, a gestão de cultura, ela é um organismo muito vivo. A gente não tem respostas prontas, trabalhar com política cultural é um jogo de erros e acertos. A criação e desenvolvimento de ações é um grande jogo de erros e acertos. A gente vai testando, vai tateando e vai se adaptando, com a escuta aberta e atenta ao setor e ao mundo, de modo geral.

Confira também 👇

PIRA27

Como se constrói um teatro 🎭

Como se constrói um teatro? Não se trata apenas de paredes, palco, camarins e poltronas. Há também sonhos, desafios arquitetônicos, entraves burocráticos e uma incansável busca por recursos. Assim surgiu o Multipalco, um complexo cultural no coração de Porto Alegre. No centro dessa história, uma mulher visionária, determinada e teimosa como uma rocha…

Read more

9 months ago · 3 likes · 1 comment · PIRA27

Mona Lisa (1503-1506), de Leonardo da Vinci 🙂

Ano do roubo: 1911 🗓️
Local do crime: Museu do Louvre, França 🇫🇷
Status da obra: Recuperada em 1913 🟢

O roubo da famosa obra de Leonardo da Vinci se deu em uma ação surpreendentemente simples. Vincenzo Peruggia, um italiano e ex-funcionário do Louvre, escondeu-se em um armário durante a noite, retirou o quadro pela manhã e saiu do museu com ele sob o casaco. Sua motivação: um estranho senso de patriotismo.

Peruggia confessou que queria vingar-se de Napoleão, levando o que ele acreditava ser um tesouro da Itália roubado de volta para sua pátria. Ele manteve La Gioconda em seu apartamento por quase dois anos, até ser preso em 1913 ao tentar vendê-la a um negociante de arte em Florença. Ironicamente, esse roubo impulsionou a obra ao status de ícone global e à fama que mantém até hoje.

Natividade com São Francisco e São Lourenço (1609), de Caravaggio ✝️

Ano do roubo: 1969 🗓️
Local do crime: Oratório de São Lourenço, Itália 🇮🇹
Status da obra: Desaparecida 🔴

A pintura foi roubada em uma noite de 1969, em Palermo, Sicília. A obra foi removida do altar e cortada grosseiramente da moldura em um crime ligado à Máfia Italiana, a Cosa Nostra. O destino da tela ainda é um mistério. Depoimentos de mafiosos arrependidos indicam que a obra foi danificada durante o roubo e passou por várias mãos.

Especialistas chegaram a considerá-la perdida para sempre. Em 2017, a comissão antimáfia da Itália reabriu o caso a partir da pista de que um negociante de arte teria orientado os ladrões a cortar a tela, alegando que ninguém compraria um trabalho tão famoso. As buscas seguem.

Impressão, nascer do sol (1872), de Claude Monet ⛵

Ano do roubo: 1985 🗓️
Local do crime: Museu Marmottan Monet, França 🇫🇷
Status da obra: Recuperada em 1990 🟢

O quadro que deu nome a todo o movimento Impressionista foi roubado em Paris em 1985. O assalto foi audacioso: cinco homens armados invadiram o museu durante o horário de visitação, rendendo guardas e visitantes. Em apenas cinco minutos, eles roubaram nove obras de arte, incluindo a peça central de Monet e trabalhos de Renoir.

A pintura permaneceu desaparecida por cinco anos, levando a uma investigação internacional. As obras foram finalmente recuperadas em 1990 em uma vila na Córsega, graças a uma operação policial que envolveu um informante.

O Concerto (1664), de Johannes Vermeer 🎹

Ano do roubo: 1990 🗓️
Local do crime: Museu Isabella Stewart Gardner, EUA 🇺🇸
Status da obra: Desaparecida 🔴

O Concerto de Johannes Vermeer é a pintura mais valiosa do mundo ainda desaparecida, com um valor que ultrapassa os 250 milhões de dólares. Ela foi levada em 1990, no maior roubo de arte não resolvido da história. Dois homens disfarçados de policiais entraram no Museu Isabella Stewart Gardner, em Boston, amarraram os guardas e, em 81 minutos, levaram 13 obras de arte, incluindo o Vermeer e três Rembrandts.

O caso é um mistério permanente, com o FBI identificando suspeitos ligados ao crime organizado, mas sem nunca localizar as obras. Uma curiosidade é que o museu mantém as molduras vazias penduradas em seus locais originais.

O Grito (1895), de Edvard Munch 😱

Ano do roubo: 1994 🗓️
Local do crime: Galeria Nacional de Oslo, Noruega 🇳🇴
Status da obra: Recuperada em 1994 🟢

A versão em pastel de O Grito foi roubada com muita ousadia dos criminosos. O crime ocorreu no dia da abertura dos Jogos Olímpicos de Inverno de 1994, com os ladrões aproveitando a distração das forças de segurança.

Eles entraram na Galeria Nacional de Oslo por uma janela, levaram a pintura e deixaram um bilhete sarcástico: “Obrigado pela segurança ruim”. A pintura foi recuperada apenas três meses depois, em uma operação que envolveu detetives de arte e a polícia norueguesa.

O Lavrador de Café (1934), de Cândido Portinari ☕

Ano do roubo: 2007 🗓️
Local do crime: MASP, Brasil 🇧🇷
Status da obra: Recuperada em 2008 🟢

Em dezembro de 2007, o Museu de Arte de São Paulo foi alvo de um assalto noturno rápido e preciso. Os ladrões levaram duas das peças mais importantes de seu acervo: O Lavrador de Café, de Cândido Portinari e O Retrato de Suzanne Bloch, de Pablo Picasso. A ação dos criminosos foi registrada pelo circuito interno de TV, o que auxiliou nas investigações.

Diferentemente dos longos desaparecimentos internacionais, a recuperação das telas foi relativamente rápida. A investigação utilizou interceptações telefônicas que apontaram o esconderijo dos criminosos em Ferraz de Vasconcelos, na Grande São Paulo. Os responsáveis, todos condenados, planejavam revender as obras, provavelmente no exterior.

Flores de Papoula (1887), Vincent van Gogh 🌺

Ano do roubo: 2010 🗓️
Local do crime: Museu Mohamed Mahmoud Khalil, Egito 🇪🇬
Status da obra: Desaparecida 🔴

A pintura de Van Gogh, avaliada em 50 milhões de dólares, foi roubada do Museu Mohammed Mahmoud Khalil, no Cairo. O método do crime foi alarmantemente simples: os ladrões cortaram a tela de sua moldura logo após a abertura do museu. Esta foi a segunda vez que a mesma obra foi roubada de lá, agora sem recuperação.

O incidente foi marcado por um caos administrativo. O Ministro da Cultura egípcio anunciou prematuramente que o quadro havia sido recuperado no Aeroporto Internacional do Cairo, apenas para ter que se retratar momentos depois, confirmando que a obra havia de fato desaparecido. Essa declaração apressada e imprecisa expôs a desorganização das autoridades, o que pode ter beneficiado os ladrões ao criar confusão nas fiscalizações de fronteira.

Extra: O Grito (de novo)! 🔁

Ano do roubo: 2004 🗓️
Local do crime: Museu Munch, Noruega 🇳🇴
Status da obra: Recuperada em 2006 🟢

A Noruega experimentou a peculiaridade de ter o seu maior ícone cultural roubado de novo (ou quase isso). Em um crime significativamente mais violento e chocante, a versão de 1910 em têmpera de O Grito foi levada em 2004.

Três assaltantes mascarados e armados entraram no Museu Munch à luz do dia e forçaram os guardas a retirarem a O Grito e a obra Maddona das paredes. A prefeitura de Oslo ofereceu uma recompensa substancial por informações, mas a recuperação só ocorreu em 2006, após uma operação policial. Três homens foram condenados pelo roubo.

Ele se chama Footwear News Achievement Awards (FNAA) — ou, como muita gente gosta de dizer, o Oscar dos Sapatos. Há quase quatro décadas, essa gala em Nova York celebra aqueles que ousam ditar o futuro da indústria: os criadores de tendências, os arquitetos de estilo, as marcas que conseguem se tornar cultura.

É ali que nomes já lendários foram consagrados: Hoka One One, Adidas Samba, Authentic Brands, Crocs Classic Clog. Todos ícones que ultrapassaram o produto e se transformaram em símbolos de um tempo.

E foi nesse palco que, em 2024, uma marca brasileira subiu ao topo: a Larroudé foi eleita Marca do Ano.

A conquista, à primeira vista, parece improvável. Afinal, estamos falando de uma empresa fundada em 2020, em plena pandemia, quando tantas independentes fecharam as portas. Mas justamente nesse cenário a Larroudé encontrou o espaço para se reinventar e crescer.

Tudo começou com uma percepção aguda de Marina Larroudé, nos tempos de Fashion Director da Barney’s: mulheres se apaixonavam por sapatos coloridos, mas acabavam levando o preto para justificar o preço. Daí nasceu a proposta de valor que guia a marca até hoje — unir cor, desejo e preço justo.

O modelo de negócio seguiu a mesma lógica de ruptura: eliminar intermediários, verticalizar a produção, apostar em pré-vendas digitais e fabricar apenas o que se vende. Uma estratégia que reduziu custos, aproximou cliente e marca, minimizou desperdício e acelerou a escala.

O resultado não foi apenas crescimento de faturamento em anos difíceis. Foi um fenômeno que chamou a atenção da indústria global e, agora, ganhou o selo definitivo de prestígio.

O FNAA não é só um prêmio. É um carimbo de relevância internacional. Um reconhecimento de que a Larroudé não está apenas ocupando espaço na passarela global, está ajudando a redefinir os rumos dela.

Mais do que um Oscar para o Brasil, é a prova de que a moda brasileira pode, sim, ocupar o centro do palco mundial.

Em seguida, passa pelas roupas, pelos acessórios, pelo cabelo. A leitura é rápida, quase automática, e raramente vai além da linha da cintura.

Os pés costumam ser os últimos da fila. Mas talvez não devessem. Principalmente quando falamos de grandes celebridades que carregam nos pés algo incomum, que diz muito sobre o potencial criativo e empreendedor do Brasil.

A ciência do olhar 👁️

Na Universidade do Kansas, o psicólogo Omri Gillath conduziu um estudo que mapeou o trajeto dos olhos de voluntários enquanto observavam imagens de outras pessoas. A pesquisa investigava como julgamos alguém no primeiro contato visual.

Quando o critério era atratividade, os olhos se voltavam para o rosto, o peito e a cintura. Mas, curiosamente, quando a avaliação envolvia amizade, simpatia ou confiança, o olhar descia. As pernas e os pés passaram a receber mais atenção.

A descoberta parecia simples, mas dizia muito. Quando buscamos beleza, subimos. Quando buscamos conexão, descemos.

Há uma pergunta que ninguém fez 💬

Você já olhou para os pés da Taylor Swift? E da Lady Gaga? Ou da Selena Gomez, da Jennifer Lopez, da Kaia Gerber, da Sydney Sweeney, da Demi Moore, da Lindsay Lohan, da Vanessa Hudgens, da Sabrina Carpenter, da Kerry Washington?

Se nunca reparou, talvez tenha deixado escapar um detalhe curioso e, de certo modo, deslumbrante. Todas essas mulheres, em momentos diferentes e públicos, usaram sapatos produzidos no Brasil. Mais precisamente em Sapiranga, uma cidade gaúcha com menos de cem mil habitantes, conhecida por sua tradição calçadista, mas raramente mencionada nas rodas da moda internacional.

Uma marca entre extremos 👢

Esses sapatos são da Larroudé. Uma marca idealizada por Marina Larroudé, brasileira radicada em Nova York com passagens por Barneys e Teen Vogue, e seu marido Ricardo.

Juntos, eles identificaram um espaço pouco explorado: o intervalo entre os calçados de luxo com preços inacessíveis e as marcas populares que muitas vezes sacrificam conforto, durabilidade e propósito.

A proposta era simples e ambiciosa. Criar sapatos com design sofisticado, materiais de qualidade e conforto real, a preços que fizessem sentido. Para tornar isso possível, adotaram um modelo de operação vertical, com produção própria no Brasil. Do desenho ao envio, passando pelo controle de matéria-prima e logística, tudo é acompanhado de perto pela equipe da marca.

De Sapiranga para o mundo 🌎

A fábrica da Larroudé em Sapiranga tem 15 mil metros quadrados. Mais de 400 pessoas trabalham ali, com carteira assinada, plano de saúde e formação técnica contínua. A cidade, que há décadas carrega o ofício de fabricar calçados, hoje vê seus pares cruzarem palcos e tapetes vermelhos em outros continentes.

Os modelos são desenhados nos Estados Unidos, mas ganham forma no Brasil, com acabamento minucioso, palmilhas com espuma de memória e materiais rastreáveis. Cada detalhe importa.

Desde seu lançamento, a Larroudé tem crescido de forma consistente. Em menos de cinco anos, alcançou faturamento de oito dígitos, foi reconhecida como Marca do Ano no Footwear News Achievement Awards e se tornou presença constante em editoriais da Vogue, Elle e Harper’s Bazaar.

Está nos pés de quem dita comportamento. E, ainda assim, segue fora do radar da maior parte do público brasileiro.

O que os pés revelam ✨

Ver um sapato feito em Sapiranga nos pés de Taylor Swift não é apenas uma anedota sobre globalização. É um lembrete. Um convite para observar o que muitas vezes passa despercebido. Os pés sustentam. Os pés conduzem. Os pés também contam histórias.

A Larroudé entendeu isso. Transformou o detalhe em potência. E fez do que era invisível uma assinatura. Sem exagero, sem alarde. Com presença, consistência e propósito.

Na próxima vez que você vir uma celebridade cruzando o palco, tente desviar o olhar por um instante. Em vez de parar no brilho do rosto, observe o que calça aquela história. Os pés podem não falar, mas caminham com ideias que merecem ser ouvidas.

Ainda mais quando falam de uma marca brasileira, que já está sendo celebrada nos mais glamourosos tapetes vermelhos do mundo, mas ainda não é reconhecida por nós, brasileiros.

Como disse Nizan Guanaes em sua recente coluna para o Valor Econômico, “a propaganda brasileira precisa voltar a ser brasileira”. De repente, esta celebração seja o início dessa retomada — a retomada da criatividade verdadeiramente brasileira, que fale português para o povo brasileiro, e não apenas para ganhar prêmios pelo mundo.

Assim sempre foi a carreira de Washington Olivetto, o primeiro vencedor de um Leão de Ouro para o Brasil, e alguém que sempre fez da publicidade uma extensão da cultura do nosso país. Fazia propaganda como quem conversava na multidão — a ponto de seu trabalho reverberar na cultura popular e tornar-se referência internacional. Não à toa, neste ano de celebração para o Brasil, este ícone da publicidade mundial será o grande homenageado.

Então, para celebrar este momento, resolvi assistir no último domingo — como faço toda semana, em uma curadoria interna para o time — aos cases brasileiros que estão no shortlist da maior premiação do mundo, para selecionar os dez que, na minha visão, retratam o melhor do Brasil na atualidade. Uma seleção sem a pretensão de ser uma lista de apostas para os principais prêmios, mas composta por aqueles que, como criativo brasileiro, me dão orgulho de ver representando o nosso país.

Caramelo (Peedigree, AlmapBBDO) 🐕

Não há nada mais brasileiro do que o Caramelo. E foi exatamente isso que a Pedigree, junto da AlmapBBDO, reconheceu ao criar uma campanha inédita de valorização do vira-lata mais amado do país. Batizado de Canis Lupus Familiaris Brasiliensis, o Caramelo Brasileiro ganhou protagonismo em uma ação que uniu afeto, identidade e transformação social.

A campanha promoveu a maior adoção de cães sem raça definida já realizada pela marca, criou o Caramelo Kennel Club, estampou o Caramelo — pela primeira vez — nas embalagens da Pedigree e conduziu uma pesquisa de DNA para compreender melhor a origem desses cães. Acima de tudo, deu a eles o reconhecimento que sempre mereceram, colocando o Caramelo no mesmo patamar dos seus irmãos de raça.

Mais do que uma campanha, um ato de reparo histórico com o verdadeiro amigo canino do brasileiro: o Caramelo.

Para ver o vídeo case completo, clique aqui.

A voz de um ícone (Guaraná Antarctica, CP+B Brasil) 🏎️

Falando em Brasil, Ayrton Senna não poderia ficar de fora — ainda mais para alguém que, como eu, é admirador desse grande nome brasileiro. Ao lado do refrigerante preferido do piloto, o Guaraná Antarctica, a CP+B Brasil recriou um dos gestos mais emocionantes da história do esporte: o toque de Viviane Senna no icônico capacete do irmão, logo após sua morte, em 1994.

A campanha, envolvente e profundamente tecnológica, desenvolveu um capacete especial com tecnologia de condução óssea e áudios originais restaurados, permitindo que milhares de fãs ao redor do mundo vivessem um momento único de conexão e emoção. Um projeto feito com alma, onde a tecnologia não rouba a cena — apenas a ilumina. Desta vez, para servir à memória do maior herói do esporte brasileiro.

Osso Premiado (KFC, DM9) 🍗

Se a nostalgia é tendência na publicidade mundial, o KFC, com criação da DM9, soube traduzir como poucos o que ela significa para o Brasil. Inspirada na icônica campanha da Kibon, o inesquecível Palito Premiado, a marca resgatou uma memória afetiva de muitos verões brasileiros: a chance de ganhar outro sorvete ao encontrar o palito premiado.

Só que, desta vez, a lógica foi invertida. Ao comer uma coxinha de frango e encontrar o ossinho premiado, o cliente ganhava um sorvete especial do KFC. Mesmo restrita a alguns restaurantes, a campanha foi um sucesso imediato. Viralizou nas redes sociais e reacendeu a lembrança de quem viveu aquela promoção nos verões de antigamente, provando que boas ideias não envelhecem, só se reinventam.

Para ver o vídeo case completo, clique aqui.

Reserva Solar (Corona, Grey) ☀️

Sol e praia são paixões compartilhadas entre o brasileiro e a Corona. Sabendo disso, a cervejaria foi além do discurso e transformou o que poderia ser apenas uma campanha de conscientização em uma ação concreta: adquiriu o espaço aéreo de um terreno à beira-mar, na Praia de Piedade, para garantir que nada seja construído ali e bloqueie o sol.

Parte da celebração dos 100 anos da marca, a campanha não apenas defende o direito de ter o sol na praia, mas reacende uma discussão urgente — e, por vezes, esquecida — sobre o acesso à paisagem natural no Brasil e no mundo. Porque o que parecia óbvio, como o direito de ver o sol na praia, talvez não seja mais tão garantido assim. Iniciativas como essa abrem caminho para reflexões profundas e acendem, aos poucos, mudanças reais no nosso modo de viver.

Para ver o vídeo case completo, clique aqui.

Boca Suja (Cif, Droga5) 🤬

Desde os tempos de Dercy Gonçalves, os palavrões fazem parte da comunicação autêntica e sem filtros do brasileiro. Sabendo disso — e buscando inovar na forma de apresentar um produto de limpeza — a Cif, com criação da Droga5, transformou os tradicionais biiips em Ciiiiiifs sempre que um palavrão era dito na televisão ou em podcasts populares.

A marca brincou com a ideia de limpar os palavrões, dando ainda mais liberdade para comunicadores falarem sem amarras, com a garantia de que Cif Limpeza Milagrosa estaria ali para limpar até a boca mais suja. Foi o caso do apresentador Craque Neto, dos Donos da Bola, protagonista de um dos vídeos da campanha.

Uma ideia inesperada para um produto que não tem nada a ver com palavrão, mas que limpa mais de 100 superfícies. Inclusive essa.

Para ver o vídeo case completo, clique aqui.

O olhar muda tudo (Canon, Dentsu) 📸

Em um ano em que nos despedimos de Sebastião Salgado, um dos maiores nomes da fotografia brasileira, a campanha O olhar muda tudo, da Canon com criação da Dentsu Creative Brasil, ganha ainda mais sentido. Lançada antes de sua partida, a trabalho resgata o valor do olhar humano em uma era dominada por imagens geradas por inteligência artificial.

Com o conceito “sem o click, não existe o prompt”, a marca reposiciona os fotógrafos como protagonistas da nova era criativa. A campanha reforça que toda inteligência artificial generativa depende, primeiro, da sensibilidade e do repertório humano.

Não se trata de rejeição à tecnologia, mas de uma lembrança importante: a IA é uma ferramenta poderosa, mas o toque humano continua insubstituível. Porque, no fim das contas, é o olhar que muda tudo.

Para ver o vídeo case completo, clique aqui.

Pizza di Ontem (Consul, DM9) 🍕

É praticamente unânime: pizza de ontem é sempre melhor. Aproveitando essa verdade popular, a Consul, com criação da DM9, lançou a campanha Pizza di Ontem para divulgar seu micro-ondas de um jeito tão inusitado quanto delicioso.

Inspirada em conversas que viralizam nas redes sociais, a campanha foi além de um simples comercial e se transformou em uma experiência real: 20 pizzarias se tornaram lojas da Consul durante a manhã, servindo fatias reaquecidas de pizza do dia anterior como café da manhã.

O melhor? Os clientes podiam sair de lá não só de barriga cheia, mas também com um micro-ondas novo — disponível para compra direto no balcão da pizzaria. Uma ação saborosa, bem-humorada e tipicamente brasileira, que prova que vender eletrodoméstico pode, sim, ter muito mais tempero e criatividade.

Para ver o vídeo case completo, clique aqui.

Carregando a Conexão (Tim & Estrela, Betc Havas) 🧠

Sim, é verdade que muitas empresas de telefonia têm investido em campanhas que nos incentivam a sair das telas e nos reconectar com o que realmente importa. Mas desta vez, a TIM foi além do discurso. Em parceria com a Estrela, fabricante brasileira de brinquedos, e com criação da BETC Havas, a marca deu vida a uma versão inédita do primeiro jogo eletrônico vendido no país: o Genius.

O novo modelo do brinquedo só funciona quando conectado à bateria do celular — ou seja, enquanto o celular alimenta o jogo, ele não pode ser usado. Uma inversão inteligente que estimula pausas conscientes e convida a revisitar momentos de conexão real. Mais do que nostalgia, uma provocação atual sobre o tempo de tela — com cor, memória e um novo ritmo.

O Gol Interrompido (Fiat, Leo Burnett) ⚽

A criatividade brasileira tem, muitas vezes, seu melhor exemplo na simplicidade com impacto. Foi o que a Fiat, com criação da Leo Burnett, mostrou ao transformar um erro em oportunidade — e tudo em menos de 24 horas.

Durante uma partida decisiva da reta final do Brasileirão 2024, entre Palmeiras e Botafogo, a Globo dividiu a tela entre o jogo e um comercial da Fiat. Justo no momento em que Jefferson Savarino marcava o segundo gol do time carioca, o público foi surpreendido com o som da publicidade, abafando a narração do lance. O Botafogo venceu por 3x1, mas o assunto virou polêmica.

No dia seguinte, no intervalo do Jornal Nacional, a Fiat reagiu com inteligência e bom humor. Exibiu novamente o mesmo comercial, mas dessa vez, interrompeu a peça logo após a chamada do jogo. “Ontem, interrompemos esse gol. Hoje, vamos interromper o comercial”, dizia a nova campanha, enquanto a tela exibia a jogada perdida. Em seguida, o comercial abriu espaço total para o lance completo, com direito à narração. A mensagem final deixava claro: “Se é importante pro futebol, é importante pra Fiat.”

Mais do que uma campanha relâmpago, foi uma aula de timing, criatividade e conexão com o público.

Uma BIC, Um Livro, Dois Clássicos (BIC, VLM) 🖊️

Mesmo não sendo brasileira, a caneta BIC já faz parte do cotidiano de milhões de brasileiros há décadas. E para celebrar os 75 anos da BIC Cristal (BIC Dura+), a marca, com criação da VLM, lançou uma campanha que responde a uma pergunta provocadora: “E se William Shakespeare tivesse escrito Romeu e Julieta com uma única caneta?”

O projeto teve como peça central um robô equipado com inteligência artificial, programado para replicar meticulosamente a caligrafia de Shakespeare. Ao longo de 20 dias, o sistema reescreveu a peça completa com uma caneta BIC, orientado por análises caligráficas e validações de especialistas.

Um perito comparou 10 das 22 características que definem a escrita do autor e confirmou a autenticidade da reprodução. Combinando tecnologia e habilidade artesanal, a campanha reforça o valor do toque humano na arte de contar histórias.

Claro, adoraria ver a obra de um autor nacional ganhando esse mesmo protagonismo. Mas isso em nada diminui a força de uma bela campanha, idealizada por um time brasileiro que fez bonito e está ganhando destaque internacional.

Por uma criatividade mais original… 🌟

Entre tantos trabalhos bons, só um brasileiro concorre ao Titanium Lions este ano: o Caramelo Brasileiro, da Pedigree. E talvez isso diga muito sobre o momento da nossa publicidade.

Falta brasilidade nos cases. Falta ver menos referência americana nos vídeos-cases, disfarçada de global, e mais verdade do nosso chão.

Marcello Serpa conta que, ao voltar para o Brasil e apresentar uma campanha toda em preto e branco, ouviu de Petit que aquilo podia até funcionar na Alemanha — mas aqui precisava de cor. De calor. De Brasil. Talvez tenha sido esse espírito que fez dele um dos maiores da nossa história.

Também sinto falta de um bom comercial popular. Curto, direto e inesquecível. Daqueles que falam com o povo e entram para a cultura — como Meu Primeiro Sutiã, Garoto Bombril, Não é assim uma Brastemp, Bonita camisa, Fernandinho. Além das icônicas campanhas de Havaianas, Guaraná Antarctica, Itaú, Volkswagen e Grendene.

Precisamos ouvir mais quem entende da nossa história: Nizan, Serpa, Fred Gelli, Ana Couto, Gordilho. E, acima de tudo, precisamos voltar a falar com o Brasil. Do nosso jeito. Com o nosso borogodó.

Luzes apagadas, portas fechadas, fachada silenciosa. No coração do Centro Histórico da cidade repousa um dos palcos mais importantes do Brasil.

O edifício histórico é desejo de parada para artistas de todo o país e ponto de chegada para quem acredita no poder da arte. Mas uma dúvida paira como um sussurro no escuro da plateia: o Theatro São Pedro fechou?

A construção de um sonho (1833–1858) 🚧

A ideia de um teatro digno da capital gaúcha não surgiu há pouco. Em 1833, Manoel Antônio Galvão, então presidente da província, doou um terreno para a construção de um edifício que abrigasse as manifestações culturais da região. O projeto, neoclássico, foi assinado pelo arquiteto Filipe Normann1.

Mas a Revolução Farroupilha eclodiu em 1835 e interrompeu os planos por uma década. As obras só foram retomadas em 1847 e concluídas onze anos depois.

Após conviver com incertezas orçamentárias e disputas políticas, o prédio foi finalmente inaugurado em 27 de junho de 1858 com a peça Recordações da Mocidade, com direção de João Ferreira Bastos e música do maestro Joaquim José Mendanha. Na época, Porto Alegre tinha pouco mais de 18 mil habitantes.

Entre aplausos e silêncios (1858–1973) 🎭

Já erguido, o Theatro se manteve em atividade intermitente. Durante a Revolução Federalista (1893–1895), as cortinas permaneceram fechadas. Mesmo após o conflito, os espetáculos voltaram antes do público, que receoso permanecia em casa.

A retomada ganhou fôlego com o florescimento da arte dramática no Brasil. Novos palcos surgiam nos grandes centros do país, como o Theatro Municipal do Rio de Janeiro, inaugurado em 1909, e o Theatro Municipal de São Paulo, em 1911.

Escolas de dramaturgia surgiram no rastro desse movimento. Essa corrente chegava a Porto Alegre, e conseguia ocupar o espaço deixado pelas companhias estrangeiras, que por um longo período deixaram de frequentar o Estado.

Na primeira metade do século XX, aconteceu de tudo um pouco no São Pedro:

🎥 Exibição de cinema: em 1901, o palco recebeu a primeira sessão cinematográfica de Porto Alegre.

🥊 Lutas e torneios: durante a Primeira Guerra Mundial, a casa passou a sediar combates de boxe e lutas greco-romanas.

🚫 Censura às chanchadas: no Estado Novo, as comédias populares foram proibidas de serem exibidas no teatro.

⛑️ Cursos de enfermagem: durante a Segunda Guerra Mundial, a Cruz Vermelha promoveu capacitações no local para preparar a população contra ataques aéreos.

A cada novo conflito ou regime, o Theatro oscilava entre a efervescência e o apagão. Até os anos 1970, a casa já havia recebido nomes como Heitor Villa-Lobos, Cacilda Becker, Procópio Ferreira, Arthur Rubinstein, Eugène Ionesco, Henriqueta Brieba, Paulo Autran, Philip Glass e Bob Wilson.

Mas o tempo cobrou seu preço. Cupins, ratos, infiltrações, estruturas apodrecidas se tornaram parte do cenário. A deterioração era evidente.

Em 1972 um pedaço de um refletor caiu no palco durante o recital da violinista japonesa Nobuko Imai. O Theatro não poderia mais continuar funcionando naquelas condições.

Dona Eva entra em cena (1975–2018) 🌟

O segundo ato do Theatro tem nome e sobrenome: Eva Sopher, uma alemã de origem judaica que migrou para o Brasil ainda jovem por conta da perseguição nazista.

Ao ser convidada para liderar a restauração, recusou o chamado em um primeiro momento. Àquela altura ela atuava como produtora cultural e estava envolvida em outros projetos.

A provocação decisiva veio de seu marido, que a alertou de que, se não aceitasse o desafio, poderiam derrubar o edifício. Em 1975, Dona Eva assumiu a coordenação da restauração e se tornou a guardiã do teatro.

O artista plástico e arquiteto Carlos Antônio Mancuso foi um dos convocados por Dona Eva para o restauro. Sob sua orientação técnica, a missão era reconstituir e preservar o projeto original.

A Mancuso coube também a recriação do lustre de 30 mil cristais, 4 metros de comprimento e 600 quilos, suspenso no centro do teatro. O original a velas havia sido um presente do governo da França ao Rio Grande do Sul nos anos 1880.

A composição do alto do teatro foi completada com a pintura do forro pelo artista Plínio Bernhardt. O painel foi um dos destaques da renovação, homenageando elementos da flora e fauna do estado.

Foram anos de esforços até a reabertura em 1984. O Theatro São Pedro estava de volta em um período de abertura política.

Sob as mãos de Dona Eva também foi criada a Fundação Theatro São Pedro, a Orquestra de Câmara e a Associação dos Amigos do Theatro. A ideia de ocupar o teatro ganhava novas dimensões.

Em 1991, uma possível troca no comando do Theatro mobilizou a cena cultural. Nomes como Antônio Fagundes, Fernanda Montenegro, Jô Soares e Marco Nanini enviaram mensagens ao governador Alceu Collares pela permanência de Dona Eva. Em outra frente, cerca de 200 pessoas selaram o protesto com um abraço coletivo ao prédio.

A firmeza diante do abandono dos espaços públicos e históricos rendeu a Dona Eva o respeito de espectadores e artistas. O Theatro São Pedro virou símbolo de resistência cultural.

Dona Eva faleceu em 2018, aos 94 anos. Seu velório foi no palco que tanto defendeu.

Eu amo o Theatro São Pedro. Amo este espaço cênico. Foi amor à primeira vista, apesar da condição precária em que o vi pela primeira vez. — Eva Sopher.

O teatro é do povo (2000–2025) 🎟️

Com o tempo, o Theatro São Pedro deixou de ser apenas um edifício histórico para a cidade. Tornou-se uma referência afetiva.

Desde a criação do prêmio Top of Mind e da pesquisa Marcas de Quem Decide, o São Pedro lidera, ano após ano, a categoria teatro — tanto em preferência quanto em lembrança. O público sabe onde ele está, mesmo quando suas portas estão fechadas.

O acesso ao teatro, no entanto, ainda guarda vieses de classe. A maioria do público é composta por pessoas com ensino superior completo e renda acima da média. Ainda é um espaço marcado por barreiras econômicas e simbólicas.

Mas houve avanços: projetos de formação de plateia, ingressos subsidiados e ações educativas têm buscado ampliar esse alcance.

O Theatro pertence a todos. E quanto mais gente puder sentar nas suas poltronas vermelhas, mais forte será sua razão de existir.

E então... ele fechou ⏳

Sim, o Theatro São Pedro fechou. Mas não há motivos para despedidas definitivas, apenas uma pausa necessária.

A casa passará por reformas que visam melhorar a experiência e acessibilidade de seus frequentadores. Rampas, elevadores, seguranças reforçadas, o projeto prevê a restauração do prédio histórico como um todo.

O São Pedro se recolhe como quem sabe que grandes mestres também precisam de pausa. E enquanto repousa, já deixa seus herdeiros em cena. Ao lado, o Multipalco Eva Sopher segue pulsando arte, como um jovem que honra os passos de quem veio antes.

Sob a mesma gestão e carregando os mesmos princípios que fizeram do Theatro São Pedro um dos maiores palcos do Brasil, o complexo do Multipalco mantém viva a conexão entre palco e plateia, entre cultura e cotidiano. Um espaço que se abre para novas experiências, sem deixar de reverenciar a história.

Dica cultural 📢

Se você estiver por Porto Alegre no próximo mês, fique ligado: de 11 de junho a 06 de julho, o foyer do Multipalco recebe a exposição Plínio Bernhardt: Arte eternizada no São Pedro volta ao theatro.

A abertura acontece hoje às 17h, com apresentação especial de um quarteto de cordas da Orquestra Jovem do Theatro São Pedro. Nos demais dias, a mostra segue aberta para visitação de terça a domingo, sempre a partir das 12h, até o dia 6 de julho. A entrada é gratuita.

Prepare-se para encarar narizes, vegetais, modas e... até febres fatais.

Retratos de Federico da Montefeltro e Battista Sforza (1467-1472), de Piero della Francesca 👃🏻

Piero della Francesca criou um dos dípticos mais emblemáticos do século XV. Nele, o duque Federico da Montefeltro e sua esposa Battista Sforza são retratados com olhares indeterminados, quase sem vida. De um lado, a austeridade do vermelho do duque; do outro, o esplendor das pérolas e das sedas de Battista. Ao fundo, um horizonte contínuo e idealizado.

A escolha do perfil não foi apenas uma tecnicalidade, mas uma preferência particular do cliente. Federico havia perdido a visão do olho direito em um torneio. Para não ficar em desvantagem, mandou retirar o osso do nariz para melhorar o campo de visão. Uma solução engenhosa.

O Alfaiate (1565-1570), de Giovanni Battista Moroni ✂️

Giovanni Battista Moroni retratou um homem comum com tamanha dignidade e naturalismo que revolucionou o gênero do retrato profissional. Vestido modestamente, tesoura em mãos, ele nos encara com a segurança de quem sabe seu ofício.

Moroni não só registrou a figura do trabalhador, mas também quebrou a ideia de que apenas a elite merecia ser imortalizada em óleo sobre tela. Um manifesto de que a arte pode representar a todos.

Vertumnus (1590-1591), de Giuseppe Arcimboldo 🥒

Imagine um imperador se deixando retratar com cabeça feita de frutas, flores e vegetais. É exatamente isso que Arcimboldo fez com Rodolfo II, criando um retrato embebido no cômico e burlesco. A ideia era representar o monarca como um ser quase divino, capaz de incorporar os ciclos da vida.

Na mitologia romana, Vertumnus é o deus das estações, da mudança e da frutificação, associado à capacidade de transformação e à fertilidade da natureza. Ele é conhecido especialmente por seu romance com Pomona, deusa dos pomares, a quem conquistou por meio de múltiplas metamorfoses.

Retrato de Luís XIV (1701), de Hyacinthe Rigaud 👑

O retrato oficial do ancien régime. Em meio à ostentação e teatralidade, a obra reproduz a masculinidade da época, em que o rei usa peruca e salto alto.

Luís XIV surge envolto no manto de coroação com flores-de-lis e vestes da Ordem do Espírito Santo com o Grande Colar e a meia de seda, símbolos de nobreza e tradição. A mão sobre o cetro invertido e a espada na cintura simbolizam o poder judicial e militar. O corpo do monarca é só um detalhe na construção do poder visual de uma obra que grita absolutismo para quem quiser ouvir.

Retrato de Ira Aldridge (1826), de James Northcote 🎭

Ira Aldridge foi um ator shakespeariano afro-americano que conquistou a Europa. Em uma época em que artistas negros eram frequentemente excluídos do palco, Aldridge conquistou reconhecimento internacional por interpretações marcantes de personagens como Otelo, Lear e Macbeth.

Neste retrato, Northcote confere ao ator toda a solenidade estilística da tradição clássica. Vestido com trajes teatrais, ele posa como um protagonista da cultura ocidental. Lugar que lhe pertence.

Valentine Godé-Darel na Cama do Hospital (1914), de Ferdinand Hodler 🖤

Ferdinand Hodler nos leva a um retrato doloroso e íntimo: Valentine Gode-Darel, sua companheira, retratada em seus últimos dias, acamada e frágil. Diferente de todos os outros, este retrato é um testamento de amor e perda.

A paleta é sóbria e o corpo de Valentine parece se dissolver no leito. Hodler não busca idealizar, mas mostrar a vulnerabilidade da existência. Uma imagem que nos lembra: por trás da pose, há sempre um humano, com suas dores e silêncios.

Lawdy Mama (1969), de Barkley Hendricks ✊🏿

Temos aqui um retrato de Kathy Williams, prima anônima do artista. O fundo dourado evoca os ícones bizantinos e confere a ela um ar sagrado e atemporal. A modelo encara o espectador com uma mistura de orgulho e introspecção, como se soubesse algo que nós ainda estamos tentando descobrir.

Ao retratar corpos negros com tanto respeito e intensidade, Hendricks desafiou as convenções da arte ocidental, marcada por séculos de exclusão e idealização branca. Esta obra é um exemplo da sua afirmação visual de identidade e beleza.

Ao invés de um único pôster oficial para o torneio, a Copa da América do Norte utilizará cartazes específicos para cada palco. Um prestígio às cidades que pode ter inspiração nas Olimpíadas.

Cada um deles busca capturar o espírito cultural e artístico das 16 anfitriãs, celebrando a diversidade, a união e a paixão pelo esporte mais popular do planeta. Eles retratam as diferentes formas de sentir os jogos em cada cidade.

Confira as peças gráficas com a gente!

Vancouver e Toronto 🇨🇦

O pôster de Vancouver explora a conexão da cidade com a natureza e o futebol. Os elementos gráficos são inspirados na arte indígena canadense. O estilo é marcado pelos traços curvos e uso simbólico de animais como orcas e águias.

A orca em destaque é um símbolo cultural profundo para os povos do Pacífico Noroeste. O animal representa força, família e união, valores que dialogam diretamente com o espírito coletivo do futebol e da Copa do Mundo.

Sobre o artista: Jamin Zuroski é um artista local e descendente indígena. Já fez trabalhos para as seleções de futebol, rugby e softball do Canadá, além de desenhar as medalhas para o Triatlo Ironman do país em 2024.

Em contraste, Toronto apostou em uma estética moderna e dinâmica para representar a cidade. O estilo geométrico dos cartazes é influenciado pelas vanguardas modernas, como o cubismo e o futurismo, evocando movimento, energia e velocidade.

O futurismo, nascido na Itália em 1909, serve aqui não apenas como referência estética, mas também dialoga com a forte ascendência italiana na região. As letras da palavra TORONTO estão espalhadas em vários planos e orientações, funcionando tanto como texto quanto como parte do grafismo.

Sobre o artista: Dave Murray é um ilustrador e designer gráfico canadense. Seu trabalho já estampou publicações como The New York Times, Variety e Foreign Affairs.

Seattle, San Francisco/Bay Area e Los Angeles 🌉

Em um estilo que lembra uma impressão em xilogravura, Seattle celebra a relação íntima entre a cidade e o Oceano Pacífico. A cauda de uma orca surge como elemento central sobre ondas desenhadas com linhas curvas e hipnóticas.

A paleta fluorescente acrescenta ousadia à peça, criando um contraste marcante com o preto e branco característico das xilogravuras. A estética remete os cartazes de concertos psicodélicos dos anos 60, também ligados à cena cultural alternativa do noroeste dos EUA.

Sobre o artista: Shogo Ota é um artista e designer gráfico japonês radicado em Seattle. Fundador do Tireman Studio, ele mistura influências orientais com estética contemporânea, criando desde murais e identidades visuais até rótulos e pôsteres.

A Área da Baía de San Francisco buscou homenagear a inovação tecnológica, da paisagem região e o espírito vibrante da Califórnia. O tratamento gráfico evoca a uma estética de quadrinhos e desenhos animados.

A Golden Gate e a Bay Bridge surgem como estruturas centrais. A bola de futebol é cercada por um halo de luz e feixes digitais. A presença de linhas que sugerem circuitos de computador é uma lembrança ao Vale do Silício.

Sobre o artista: LeRoid David é um designer e produtor de filmes de origem filipina e nativo de San Francisco. Seu portfólio inclui trabalhos para San Francisco Giants, Golden State Warriors e San Francisco 49ers.

O cartaz de Los Angeles adotou um estilo cinematográfico que lembra uma paisagem de videogame, como GTA V. Ao fundo, temos a silhueta dos arranha-céus do centro emoldurados pelo pôr do sol californiano, banhado em tons quentes de laranja, dourado e roxo.

A arte visa capturar o espírito da cidade por meio de técnicas que misturam ilustração, colagem e pintura digital. O pôster também evoca a estética retro-futurista e o universo visual do synthwave, com seus degradês solares, silhuetas marcadas e palmeiras contra o skyline, uma imagem que poderia facilmente estar em uma capa de disco ou pôster de cinema dos anos 80.

Sobre o artista: Thieb Delaporte-Richard é um designer nascido na França e que vive há 10 anos em Los Angeles. Já colaborou com  Google, Spotify, Louis Vuitton, Netflix e Nike. Atualmente é Diretor de Arte e Motion Designer na Apple.

Kansas City, Dallas e Houston 🤠

O pôster de Kansas City é uma celebração vibrante da cultura popular americana, da paixão pelo futebol e da identidade local da cidade. A peça apresenta uma ilustração vetorial chapada com diversidade de cores.

Em um primeiro momento, a abordagem gráfica segmentada remete a cenas de quadrinhos, mas, observando mais atentamente, percebemos que o cartaz estampa um cachecol de torcedor com figuras. A sequência guia nosso olhar em um dia de futebol: a ida ao estádio, a partida em si e a festa pós-jogo, com um aceno ao jazz. Provavelmente, é o cartaz com a narrativa visual mais nítida de toda a coleção.

Sobre a artista: Jadie Arnett é uma designer e ilustradora baseada em Kansas City. Há três anos trabalha como designer gráfica para uma cervejaria da cidade.

Chegamos ao Texas com artes que evocam ao orgulho local. Em Dallas temos uma ilustração retrô, com estilo que simula uma serigrafia, de um cowboy executando um voleio. De costas, detalhes de sua identidade permanecem misteriosos.

Os edifícios ao fundo equilibram a raiz cultural com sentimento metropolitano da cidade. As cores são as das bandeiras dos Estados Unidos e do Texas. A bola segue uma trajetória ascendente de estrelas no céu. Posicionada no alto remete à silhueta da Reunion Tower, um dos marcos mais icônicos de cidade, conhecida justamente por sua cúpula esférica. A estilização transforma a bola em uma metáfora visual sutil, fundindo símbolo local e futebol.

Sobre o artista: Matt Cliff é um artista visual do Texas. Já fez trabalhos para equipes esportivas como Dallas Cowboys e Dallas Mavericks e colaborou com artistas e bandas como Post Malone e The Killers.

Um dos cartazes mais lúdicos, Houston lembrou que a cidade abriga um dos principais centros espaciais da NASA. Uma mistura de ficção científica, cultura local e paixão pelo futebol.

O astronauta jogando futebol no espaço é marcado por detalhes singelos: a taça da Copa refletindo na viseira do capacete, o chapéu voando em gravidade zero, a braçadeira de capitão com a estrela texana, o mapa do estado desenhado na bola e o campo de futebol, com suas linhas concêntricas e aparência líquida, assumindo um formato cósmico.

Sobre a artista: Stephanie Leal uma artista visual nascida no México e que vive em Houston desde os 8 anos. Formada em História da Arte, trabalhou como designer no Houston Dynamo.

Atlanta e Miami 🦩

A escolha de Atlanta foi por uma abordagem maximinalista e um toque kitsch. A arte apresenta uma moldura composta por um pattern de flores e pêssegos. A fruta é símbolo do estado da Geórgia, The Peach State.

Ao centro, a explosão de cores captura a empolgação da cidade para a Copa. Boa parte da arte soa como uma homenagem ao cotidiano da cidade. A ilustração vibrante e imaginativa lembra uma colagem surrealista.

Sobre o artista: Jose Hadhaty é um designer nascido no Equador e que vive em Atlanta desde os 9 anos. Formado em Artes Plásticas, trabalha  como gerente de design criativo no Atlanta United.

O cartaz de Miami adotou um flamingo extravagante brincando com uma bola de futebol. Os gomos criam um mundo em si, celebrando o multiculturalismo e os elementos da região. Na base, vemos silhuetas em clima de celebração: dança, festa, comunidade. Uma referência à vibração cultural de Miami, com sua mistura latina, caribenha e norte-americana.

A arte traduz o espírito vibrante da cidade. A clássica paleta rosa, que remete ambientação inspirada na estética de Miami Vice, com aquele ar retrô oitentista atualizado, está presente. Além disso, nota-se acenos à cultura pop, à estética nostálgica e ao surrealismo.

Sobre o artista: Rubem Robierb é um artista plástico brasileiro que vive há 16 anos em Miami. Já expôs em grandes cidades do mundo como Paris, Zurique e Milão. Possui uma escultura fixa em uma praça de Nova York.

Boston, Nova York/Nova Jersey e Filadélfia 🗽

Indo para a Costa Leste, temos Boston com uma aposta no caos visual, no realismo mágico e no pop-surrealismo, com sua lagosta gigante. A estética lembra o estilo do movimento underground comix e das ilustração científica do século XIX.

Os absurdos marinhos são ilustrados com traços manuais. A caixa no fundo do mar é uma referência ao Boston Tea Party, protesto de 1773 em que bostonianos lançaram ao mar caixas de chá de navios britânicos em resposta a impostos injustos.

Sobre o artista: John Rego é pintor e ilustrador nascido em Boston. Também atua nas áreas de ilustração editorial, capas de livros e design de embalagens. É professor na Faculdade de Arte e Design de Massachusetts.

O pôster de Nova York e Nova Jersey é uma das peças mais intensamente gráficas da série. A composição evoca o grafismo urbano e a iconografia da região.

O elemento central é uma releitura da tocha da Estátua da Liberdade. No padrão ao fundo, vemos o rosto da Estátua, a big apple, dados de jogo, grades e texturas que remetem à multidão e variedade cultural da metrópole. A paleta é ousada, com laranja flamejante, azul cobalto e verde piscina.

Sobre o artista: Rich Tu é um designer e ilustrador filipino-americano que reside no Brooklin. Ocupou cargos de liderança criativa em marcas como MTV e Nike Inc. Também colaborou com The New York Times, The New Yorker, A24, Budweiser, American Express, NorthFace e Coca-Cola.

Já na Filadélfia o caminho seguido foi por uma linguagem gráfica arquitetônica. O destaque foca para as formas geométricas, tons de azul e ícones históricos locais.

O cartaz adota uma estética que combina elementos da pop art com o estilo halftone em uma organização modular que remete a infográficos e mapas ilustrados. As três bolas nos guiam de uma área a outra do campo, viajando pela cidade da Declaração de Independência e das escadarias de Rocky.

Sobre o artista: Nick McClintock é um designer, ilustrador e animador da Pensilvânia. É fundador de uma empresa que visa difundir o extreme pogo como esporte.

Monterrey, Guadalajara e Cidade do México 🇲🇽

Os pôsteres das cidades-sede do México são os únicos com uma estética unificada. A escolha para o conjunto foi por ilustrações vetoriais simétricas e planas, paletas vibrantes e formas que lembram papel recortado.

Monterrey aparece como uma cidade de contrastes dinâmicos: natureza e indústria, tradição e modernidade.

Guadalajara é representada como uma celebração da cultura popular, vibrante, colorida e rítmica. É o pôster mais alegre do trio.

Cidade do México surge como um centro civilizacional e cultural histórico. Um equilíbrio entre o legado indígena, a efervescência urbana e a força contemporânea da maior metrópole da América Latina.

Sobre o artista: Mario Cortés, mais conhecido como Cuemanche é um ilustrador originário da Cidade do México. Já trabalhou para UEFA,Televisa e Cosmopolitan Magazine.

As 16 cidades-sede da Copa do Mundo de 2026 🏆

A disputa pelo Oscar gera discussões passionais, palpites pessoais e até bolões entre amigos. Mas enquanto o público brinca de prever os vencedores, os veículos especializados fazem suas análises com base em festivais, campanhas de estúdio e termômetros da indústria.

Mas será que eles acertaram? Vamos conferir as principais categorias e descobrir quais veículos foram certeiros e quais mais passaram longe.

Anora dominou, Flow surpreendeu! 🎞️

A disputa por Melhor Filme teve um consenso absoluto entre os veículos. E há uma boa razão para isso: Anora acumulou seis indicações, venceu o Critics Choice, um dos maiores preditores do Oscar, e teve alta aprovação do público.

Na categoria de Melhor Filme Internacional, o Brasil fez história: Ainda Estou Aqui conquistou a estatueta. Se Emilia Pérez sofreu com descrédito ao longo da temporada, o filme brasileiro manteve consistência. Apenas IndieWire e Los Angeles Times ainda apostavam em uma reviravolta.

A surpresa veio em Melhor Animação, na qual Flow superou a provável vitória de O Robô Selvagem. A animação experimental e ousada, vinda da Letônia, foi a aposta do New York Times e Vanity Fair.

No embate por Melhor Roteiro Original, Anora era a favorita, mas A Real Pain teve seus defensores. O filme de Sean Baker se destacou pela narrativa crua, enquanto a comédia dramática de Jesse Eisenberg conquistou apoio em festivais. No fim, Anora venceu mais uma.

Já em Melhor Roteiro Adaptado, Conclave era a aposta unânime. Um thriller político sobre os bastidores do Vaticano, o filme apresentava o perfil típico de um vencedor na categoria.

Direção e atuação: Gold Derby 5x2 IndieWire 🎭

O prêmio de Melhor Direção foi para Sean Baker por Anora, confirmando o favoritismo. A quase unanimidade entre os veículos reforçava essa aposta, com IndieWire sendo a única exceção ao apostar em Brady Corbet.

Entre os indicados a Melhor Ator, Adrien Brody era o nome mais citado e justificou as previsões. Depois de vencer Critics Choice, Globo de Ouro e BAFTA, sua vitória era praticamente certa. No fim, a polêmica sobre o uso de Inteligência Artificial para melhorar seu sotaque pouco ou nada impactou o resultado.

Já em Melhor Atriz, Mikey Madison quebrou a tendência da Academia por atores mais velhos. Nascida em 1999, ela venceu, confirmando a previsão do Gold Derby. Superou a favorita Demi Moore, não sendo a vez do terror no Oscar. Fernanda Torres, totalmente premiada no Globo de Ouro, era a aposta do The New York Times.

O troféu de Melhor Ator Coadjuvante ficou com Kieran Culkin, como previsto. Após uma temporada de vitórias consecutivas no SAG e Critics Choice, seu nome era consenso entre os veículos.

Para Melhor Atriz Coadjuvante, Zoe Saldaña era a principal aposta, e os especialistas estavam certos. A única divergência veio da Variety, que arriscou em Isabella Rossellini, mas sem sucesso.

Quem previu melhor os vencedores do Oscar? 🔮

Chegou a hora de avaliar quem mais acertou nas previsões. Os veículos especializados analisaram tendências da temporada, premiações anteriores e padrões históricos, mas quais deles realmente foram precisos?

O grande vencedor entre os analistas foi o Gold Derby, que acertou 18 das 23 categorias, registrando um índice de 78% de acerto. O site, conhecido por reunir apostas de especialistas e entusiastas, demonstrou um bom entendimento da corrida pelo Oscar. Em seguida, o The New York Times obteve 17 acertos e 74% de precisão.

A Vanity Fair também teve um bom desempenho, acertando 16 categorias, enquanto o Hollywood Reporter garantiu 15 previsões corretas. Mais abaixo na lista, o Los Angeles Times ficou com 14 acertos, seguido por Variety e IndieWire, que tiveram o menor índice de acertos, com apenas 13 previsões corretas e 57% de precisão.

O gráfico abaixo mostra como os veículos se saíram. Apesar da alta taxa de acertos em algumas categorias, outros resultados fugiram do esperado. Destaque para Curta de Animação e Curta Live Action, nos quais nenhum dos veículos avaliados acertou.

A corrida pelo Oscar deste ano reforçou que a Academia sempre pode surpreender. Anora dominou as principais categorias, Flow brilhou na animação, e Ainda Estou Aqui deu ao Brasil uma vitória marcante.

Prever os vencedores continua sendo um jogo de análise e, claro, uma pitada de sorte. E aí, como foram suas apostas? 🤔

#10: First Delivery (Budweiser) 🐴

A Budweiser demonstra seu domínio na arte de contar histórias por meio de uma narrativa concisa e visualmente impactante. A combinação de uma copy curta e potente com uma execução técnica refinada reforça os valores centrais da marca: tradição, emoção e autenticidade. O comercial consegue, de forma equilibrada, homenagear a herança da marca enquanto a posiciona de maneira moderna e relevante, mantendo sua identidade icônica em um ambiente de alta visibilidade.

#09: The Fans (Taco Bell) 🌮

Taco Bell inverte expectativas ao colocar seus consumidores — e não celebridades ou ícones tradicionais — no centro da narrativa. Essa estratégia de contra posicionamento cria uma identificação instantânea com o público, reforçando a ideia de comunidade e pertencimento.

A escolha de utilizar personagens conhecidos de forma irônica subverte a imagem convencional, promovendo a marca como ousada, inovadora e autêntica. Essa abordagem reforça a personalidade irreverente da Taco Bell, criando um forte diferencial competitivo.

#08: Dream Job (Google) 💼

O Google utiliza a tecnologia não apenas como ferramenta, mas como parte integrante da narrativa emocional. A tecnologia não é a protagonista e sim uma provocadora para que nós, humanos, possamos contar as histórias da vida real.

Ao provocar uma experiência sensorial que combina inovação tecnológica com storytelling, o comercial reforça a ideia de que a marca é capaz de transformar vidas e abrir novas possibilidades. Essa integração entre tecnologia e emoção posiciona o Google como um facilitador de sonhos, destacando sua relevância e liderança em um mercado altamente competitivo.

#07. A Century of Cravings (Uber Eats) 🍔

Utilizando o humor e uma abordagem direta, a Uber Eats consegue relacionar seu serviço com o universo do Super Bowl de forma natural, humorada e engajadora. O comercial se destaca por quebrar a quarta parede — falando diretamente com a câmera — o que humaniza a marca e aproxima o consumidor. Essa técnica, aliada a um roteiro que dialoga com o contexto cultural do evento, reforça a posição da Uber Eats como uma solução prática e contemporânea, sempre atenta às tendências e necessidades do público.

#06: Gate Expectations (SalesForce) ✈️

Em um momento em que a inteligência artificial está em voga e invadindo inclusive os comerciais do Super Bowl, a SalesForce se posiciona de maneira inovadora para criar uma narrativa capaz de bater de frente com a IA. O comercial utiliza metáforas visuais inteligentes para traduzir conceitos complexos em uma mensagem clara e envolvente, reforçando a capacidade da marca de liderar transformações digitais.

#05: The Little Farmer (Lay's) 👧

Lay's aposta em uma narrativa envolvente e delicada para reforçar sua conexão com as raízes e a origem de seus produtos. Ao valorizar as reais famílias produtoras, o comercial não só humaniza a marca, mas também agrega autenticidade e transparência ao seu posicionamento. A cinematografia cuidadosa e o storytelling emocional ressaltam os valores de sustentabilidade e responsabilidade social, fortalecendo a imagem da marca em um mercado cada vez mais consciente.

#04: Owner’s Manual (Jeep) 🏔️

Ao contar uma história inspirada no sonho americano, a Jeep utiliza o icônico Harrison Ford para personificar o espírito de aventura e liberdade, ativos fundamentais de seu posicionamento. O comercial combina humor sutil com elementos de narrativa épica, demonstrando expertise na construção de marca através de storytelling. A metáfora do manual do proprietário reforça a ideia de que cada jornada com um Jeep é única e cheia de descobertas, criando uma conexão emocional com os consumidores que aspiram a experiências autênticas e memoráveis.

#03: These Legs (Dove) 🏃‍♀️

Dove mostra que é possível comunicar mensagens profundas de autoaceitação e empoderamento em poucos segundos. Com uma execução simples e sem cortes, o comercial utiliza a força da narrativa e da estética limpa para destacar a autenticidade e a beleza real.

A ausência de recursos grandiosos ressalta a importância da mensagem, reforçando o posicionamento da marca como promotora da autoestima e da diversidade. Essa estratégia cria uma conexão direta com seu público, demonstrando como simplicidade e propósito podem ser combinados para gerar grande impacto emocional.

#02: So Win. (Nike) 👟

A Nike reafirma seu posicionamento de empoderamento ao protagonizar uma campanha feminina em um cenário tipicamente masculino. A paleta em preto e branco não só se destaca visualmente em meio aos comerciais maximalistas, mas também simboliza a elegância e a determinação das atletas.

A escolha de incluir esportistas renomadas e uma narração de peso cria uma atmosfera de alta performance e autenticidade, reforçando a narrativa de que a excelência esportiva transcende barreiras de gênero. Essa abordagem reforça os valores da marca, destacando inovação e inclusão.

#01: Lilo & Stitch | Stitch Runs Loose At The Big Game (Disney) 😜

A Disney explora o poder do storytelling ao inserir um personagem icônico em um ambiente inesperado — o campo do Super Bowl. A estratégia cria uma experiência imersiva, mantendo o espectador engajado durante os intervalos comerciais.

Tecnicamente, o comercial utiliza cortes rápidos e uma narrativa visual dinâmica para capturar a atenção, enquanto o uso do humor e da nostalgia fortalece o vínculo emocional com a marca. Ao antecipar o lançamento do live action, a campanha integra o universo cinematográfico com a cultura pop atual, reforçando a percepção da Disney como uma marca inovadora e atemporal.

BÔNUS: Potty-tunity (Angel Soft) ✨

Mesmo não sendo um comercial tradicional, Potty-tunity da Angel Soft destaca-se pela criatividade e coragem em apostar no simples, quase subvertendo a ideia do que é um comercial. A simplicidade da mensagem, aliada a um humor inesperado, consegue capturar a atenção do espectador e gerar conversas. Essa abordagem reforça a ideia de que a autenticidade e a ousadia podem ser grandes diferenciais de branding, demonstrando que a inovação muitas vezes reside em romper com o convencional.

Esse foi o melhor intervalo de todos, não foi? Agora, fique à vontade para desligar ou seguir navegando pelo nosso canal de conteúdos autorais.

De mestres como Van Gogh e Monet a ícones do século XX como Basquiat e Warhol, o ano foi marcado por recordes e pela crescente presença da Ásia nas negociações globais. Prepare-se para uma viagem por obras que ultrapassam não só fronteiras, mas também a casa dos milhões de dólares.

#10: Les canots amarrés (1887), de Vincent van Gogh 🛶

Origem do artista? Holanda 🇳🇱
Valor da venda? $32,189,041 💰

Os Barcos Amarrados retrata embarcações ancoradas no Sena, em Asnières, subúrbio de Paris. A obra marca a transição de Van Gogh para cores mais vibrantes e técnicas influenciadas pelo Impressionismo e Pontilhismo. A tela pertenceu inicialmente a Theo van Gogh, irmão do artista.

Em setembro de 2024, a pintura foi leiloada em Hong Kong, alcançando um valor de mais de US$ 32 milhões. A venda estabeleceu um recorde para uma obra de Van Gogh vendida na Ásia, destacando a crescente apreciação por sua arte no mercado oriental.

#09: Untitled (Blue and Yellow) (1954), de Mark Rothko 🟦

Origem do artista? EUA 🇺🇸
Valor da venda? $32,474,502 💰

Uma das obras emblemáticas de Mark Rothko, com grandes campos de cor que evocam emoções profundas. Sua simplicidade aparente esconde a complexidade de sentimentos que o artista buscava transmitir.

Adquirida pelos filantropos Paul e Bunny Mellon nos anos 1970, a pintura foi vendida depois a François Pinault, dono da Gucci e da Valentino. Em maio de 2015, foi leiloada por US$ 46,5 milhões em Nova York.

Em novembro de 2024, na primeira vez de um grande trabalho de Rothko na Ásia, a obra foi leiloada em Hong Kong, tendo sido adquirida por um cliente representado pela consultora de arte Patti Wong. O valor final registrou uma queda de 44% em relação à venda de 2015, ajustado à inflação.

#08: Coin de Jardin avec Papillons (1887), de Vincent van Gogh 🦋

Origem do artista? Holanda 🇳🇱
Valor da vende? $33,185,000 💰

Grama e Borboletas retrata um canteiro de flores no parque Voyer d'Argenson, em Asnières. A obra também pertenceu a Theo van Gogh e seus sucessivos herdeiros

A pintura foi colocada à venda em Nova York em 2018, mas não atingiu o preço de reserva e permaneceu sem comprador. Foi novamente ofertada em 2024, e desta vez foi vendida com sucesso, estabelecendo um recorde para uma obra do período parisiense de Van Gogh.

#07: Meules à Giverny (1893), de Claude Monet 🍃

Origem do artista? França 🇫🇷
Valor da venda? $34,804,500 💰

Palheiros em Giverny faz parte de uma série em que Monet retratou pilhas de feno nos campos ao redor de sua casa em Giverny, França. O artista explorou as variações de luz e atmosfera em diferentes momentos do dia e estações do ano, capturando as sutis mudanças de cor e sombra que ocorrem na paisagem rural.

A obra foi levada aos EUA em 1895 pelo pintor Dwight Blaney e emprestada ao Museu de Belas Artes de Boston. Em maio de 2024, foi leiloada em Nova York por mais de US$ 34 milhões, destacando o valor duradouro da arte impressionista no mercado de arte.

#06: Flowers (1964), de Andy Warhol 🌸

Origem do artista? EUA 🇺🇸
Valor da venda? $35,485,000 💰

A série Flowers apresenta serigrafias de hibiscos vibrantes, baseadas em uma fotografia tirada por Patricia Caulfield. Embora pareçam leves e decorativas, as flores estão associadas à efemeridade da vida, criadas logo após o assassinato de John F. Kennedy.

Em maio de 2024, uma peça da série foi vendida por US$ 35 milhões em Nova York. Originalmente vendida pela Leo Castelli Gallery ao colecionador Frederick R. Weisman, passou por importantes acervos na América e na Europa. O valor reflete a alta demanda pelas flores de Warhol, mais que dobrando o preço de outra obra da série vendida por US$ 15,8 milhões em 2022.

#05: L’Ami Intime (1958), de René Magritte 🥖

Origem do artista? Bélgica 🇧🇪
Valor da venda? $42,123,969 💰

O Amigo Íntimo retrata um homem de costas, vestindo terno escuro e chapéu, observando uma paisagem no horizonte. Atrás dele, uma baguete e uma taça de vinho flutuam, desafiando a lógica — um clássico exemplo do surrealismo de Magritte.

Uma obra raramente vista em público, exibida pela última vez nos Museus Reais de Belas-Artes da Bélgica, em 1998. Estava fora do mercado desde 1980, quando foi adquirida para o acervo pessoal de Lena e Gilbert Kaplan, economista e maestro falecido em 2016.

#04: Untitled (ELMAR) (1982), de Jean-Michel Basquiat 👑

Origem do artista? EUA 🇺🇸
Valor da venda? $46,479,000 💰

Criada em um dos anos mais produtivos de Basquiat, a pintura de 2,36 metros apresenta figuras enigmáticas e símbolos do neoexpressionismo. Destaca-se uma figura central, interpretada como um anjo caído com coroa de espinhos, ao lado de um arqueiro. A obra combina referências históricas, mitológicas e marcas gráficas do artista.

Foi leiloada pela primeira vez em maio de 2024, após quatro décadas na coleção do antropólogo italiano Francesco Pellizzi, falecido em 2023, que comprou diretamente da primeira galeria revendedora de Basquiat. Vendida por US$ 46,5 milhões em Nova York, superou a estimativa mínima de US$ 40 milhões.

#03: Nymphéas (1914–17), de Claude Monet 🥉

Origem do artista? França 🇫🇷
Valor da venda? $65.500.000 💰

Nymphéas é uma série de pinturas criadas por Monet entre 1914 e 1917, inspiradas em seu jardim aquático em Giverny. Focadas nos lírios d'água, as obras exploram a luz, cor e reflexos na superfície da água, marcando a fase mais abstrata do artista.

Em novembro de 2024, uma das peças foi leiloada em Nova York por US$ 65,5 milhões, após 17 minutos de intensa disputa. Em agosto do mesmo ano, outro exemplar da série foi vendido por US$ 29,9 milhões em Hong Kong.

A obra leiloada em Nova York pertencia à coleção de Sydell Miller, uma magnata da industria da beleza americana. A identidade do comprador não foi divulgada, mas sabe-se que foi um asiático anônimo que participou via telefone.

#02: Standard Station, Ten-Cent Western Being Torn in Half (1964), de Edward Ruscha 🥈

Origem do artista? EUA 🇺🇸
Valor da venda? $68.260.000 💰

Pintura a óleo de Ed Ruscha que retrata uma estação da Standard Oil ao longo da rota 66 em Amarillo, Texas, vista de baixo para destacar sua monumentalidade. No canto superior direito, uma revista pulp rasgada adiciona um elemento que quebra a ilusão espacial da cena.

Adquirida pelo herdeiro do petróleo e investidor Sid Bass em 1976 por meio de uma troca por outra obra da série Standard Station, a obra é a última pintura em grande escala de Ruscha ainda em coleção privada. Em novembro de 2024, foi leiloada em Nova York por US$ 68,26 milhões, estabelecendo um recorde para o artista e superando a estimativa de US$ 50 milhões.

#01: L’Empire de Lumières (1954), de René Magritte 🥇

Origem do artista? Bélgica 🇧🇪
Valor da venda? $121.160.000 💰

O Império das Luzes é uma série de pinturas que combinam o contraste surreal de uma paisagem noturna iluminada por luzes artificiais sob um céu claro de dia. Essa justaposição entre luz e escuridão desafia a lógica visual, marca registrada do surrealismo de Magritte.

Em novembro de 2024, uma das versões da série foi leiloada em Nova York por US$ 121,2 milhões, tornando-se a obra surrealista mais cara já vendida em leilão. A peça pertenceu à decoradora de ambientes Mica Ertegun por mais de 50 anos.

Quadro comparativo 📋

Confira o resumo com as dez obras de arte mais caras vendidas em 2024:

E aí, curtiu essa viagem? Compartilhe com seus amigos! Quem sabe não rola um novo colecionador de arte no grupo.

Agora, se investir milhões em arte não faz parte dos seus planos, relaxa. O único lance que você dá aqui é na nossa newsletter. E, convenhamos, não é mal negócio.